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venerdì 7 dicembre 2012

Roquetin: Roquentin (Twelve Records, 2012)

Dietro la sigla Roquentin si cela la figura del cantautore Nico Di Florio, già conosciuto in ambito underground per i testi dei Sunflower, che in questo progetto solista si ispira al romanzo “La Nausea” di Jean Paul Satre, dando vita a un album incentrato sull’idea della voglia di perdersi e del procedere senza punti fermi. Le otto tracce in scaletta riflettono un buon songwriting, semplice, ma non semplicistico, dalle diverse chiavi di lettura e stilisticamente vario. Di Florio trova la sua forza espressiva attraverso i testi, che si adagiano su uno sfondo fatto di suoni mai invadenti - che includono chitarra e poche percussioni -, e accenni di intrecci melodici che restano spesso sospesi e che lasciano l’ascoltatore in un limbo di piacevole assuefazione. Tra le cose migliori va messo un asterisco a “La strage dei pretendenti”, per via della leggera tensione tra primo piano vocale e arrangiamento, nel quale intervengono gli archi a creare una maggiore suggestione e avvolgere il tutto in una sorta di atmosfera surreale. La conclusiva “Venite a prendermi” chiude una mezzora di ottima musica, che ha la sola pretesa di comunicare un pensiero originale, che trova momenti di equilibrio melodico raro e che si tiene a distanza dalle soluzioni a presa rapida.

Greenthief: Retribution (Autoproduzione, 2012)

I Greenthief stanno preparando il terreno per il loro album di debutto, auspicato per il 2013, nel migliore dei modi: in tour come supporto degli australiani The Butterfly Effect; il singolo “Vultures” che sta raccogliendo diversi consensi mediatici; l’Ep autoprodotto “Retribution” – a tre anni dal precedente “Annica” - registrato in collaborazione con Steve James. Si tratta di cinque brani che delineano l’attitudine rock-pop di questa band, la quale paga un forte dazio a diverse realtà già esistenti nel panorama internazionale, leggi Placebo nell’iniziale “Sanity” o Muse nella successiva “Salad Days”. Parallelismi evidenti, al confine della citazione, che però si miscelano bene a uno stile personale, non ancora del tutto messo a fuoco, che presenta di fondo un intreccio chitarristico che alterna momenti di calma ad atri di irruenza, e in primo piano la voce di Julian Schweitzer, che a sua volta sa essere sia lieve e carezzovole, ma all’occorrenza piacevolmente ruvida. È probabilmente su questa alternanza di umori che i tre ragazzi potrebbero basare la riuscita del loro full length, anche se per il momento i venticinque minuti proposti servono solo a rimandare qualsiasi considerazione plausibile.

The Mohawk Lodge: Damaged Goods (White Whale Records, 2012)

Dieci brani stipati in mezzora compongono la scaletta del nuovo lavoro in studio dei The Mohawk Lodge, realtà capitanata da Ryder Havdale che in “Damaged Goods” riversa una buona attitudine rock fatta di ritmi incalzanti, riff messi al posto giusto e soluzioni ritmico-melodiche coinvolgenti. Anche in questo episodio Havdale collabora con Eamon McGrath, che lo ha supportato in fase di registrazione, con cori e chitarra. In programma troviamo sia tracce che sanno far battere il piede a tempo, come l’iniziale “Howling at the Moon” – brano fortemente indiziato come principale attrazione nelle live performance -, che rock-ballad dal grande senso di aggregazione, come “Using your Love”. Alternanza di atmosfere che restituisce all’intero lavoro un alto grado di fruibilità, che potrebbe quindi abbracciare chi già conosce lo spessore di Havdale e anche chi si avvicina per la prima volta alla sua band. “Damaged Goods” colpisce nel segno per via dell’ottima capacità di sintesi della band e per e lo stile senza inuitli orpelli costruito attorno a una radice rock autentica, priva di abbellimenti senza senso compiuto. *Il lavoro è disponibile in digitale e anche in versione vinile da 180gr.

venerdì 30 novembre 2012

Ferc: The Trail of Monologue (Silta records, 2012)

Dietro alla sigla Ferc si cela il duo composto dalla vocalist Rossella Cangini e dal multi-strumentista Fabrizio Elvetico. Una struttura formale consueta, che con l’ascolto del loro The Trail of Monologue rivela un carattere tutt’altro che scontato, anzi. Quello dei Ferc è un raggio d’azione che spazia dall’improvvisazione di matrice jazzistica alle impalcature rigide del post-industrial, dalle linee continue di una melodia riconoscibile a suoni flebili e rarefatti.

Si tratta di cinque brani dall’ambientazione glaciale e apocalittica, nei quali la voce-strumento dell Cangini risulta spesso in primo piano, con il suo modo delirante, le sue parole slegate, atonali, onomatopeiche, fortemente intrise da uno sperimentalismo estremo. Sullo sfondo c’è l’ibridazione tra elettronica e suoni di varia natura, che si accatastano in una sorta di destino inevitabile e potenzialmente infinito. Elvetico porta avanti un discorso compositivo fatto di frammenti singoli, come la melodia di pianoforte della title track, andamenti isterici, come quelli di “Run Run Run”, e linee di condotta insidiose, come gli echi terrificanti che frustano “Slams”, passaggio estremo di un lavoro che non sa rimanere in un unico binario espressivo.

Tra l’altro Ferc è un progetto aperto, nel senso che accoglie l'integrazione con altre modalità artistiche come accade nelle loro performance con il video processing in tempo reale. Non classificabile è con tutta probabilità il modo di smarcarsi da un solo aggettivo possibile.

mercoledì 21 novembre 2012

Lebowski & Nico: Propaganda (Bloody Sound Fucktory, 2012)

I Lebowski, nel frattempo diventati Lebowski & Nico con l’entrata nella band di Nicola Amici, danno seguito al precedente “The Best Love Songs…” con un album dal carattere psichedelico e visionario, dove convivono fiati, elettronica, ritmi sostenuti e irriverenza espressa senza mezze misure. Registrato e mixato da Giulio Ragno Favero “Propaganda” conosce i suoi momenti migliori nell’opener “Mattia Pascal”, brano rapido e schizoide che trova una buona alternanza stilistica con il successivo “Kansas City”, e nella claudicante “Avevo un sogno nel cassonetto”, che deraglia piacevolmente in territori dub senza perdere di mira l’approccio diretto della band. Testi ironici e atmosfere surreali fanno da collante tra le nove tracce in programma, nelle quali si trovano sparse a piene mani influenze elettroniche di derivazione anni Ottanta e dove il sax risulta a più riprese l’arma in più di questa spiazzante realtà. L’album dà costantemente l’impressione di avere in serbo una sorpresa per chi ascolta: un ritornello a presa rapida, un innesco ritmico coinvolgente, una trovata timbrica inusuale, cosicchè potrebbe soddisfare le aspettative di chi già conosce i Lebowski, ma anche dei curiosi in cerca di originalità.

Adriano Modica: La sedia (Cardio a Dinamo, 2012)

Con “La sedia” Adriano Modica conclude la sua “Triologia dei materiali”, che comprende gli album “Annanna” e “Il fantasma ha paura”, entrambi stampati da Trovarobato e dedicati, rispettivamente, alla stoffa e alla pietra, oggetti a loro volta metafore di fasi di vita. Questo nuovo episodio è – nelle strategie compositive di Modica – l’album di legno, e rappresenta il riavvicinamento all’essere umano, alla natura di sé stesso. Concetti alti e interpretabili i suoi, che tradotti in musica danno vita a una scaletta composta in circa due anni lavoro e ricerca, fatta di canzoni semplici, ma mai semplicistiche, cesellate nel particolare timbrico e dalla buona cifra di introspezione. Modica sa essere a suo modo confidenziale, scrive testi malinconici che portano alla riflessione ed elabora un ampio orizzonte timbrico che dona al suo lavoro caratteristiche mutevoli, in un continuo divenire che incuriosisce in maniera decisa. Il cantautore si serve della sua modalità operativa analogica, intesa come l’utilizzo di mezzi di registrazione d’annata del suo Ambulatorio Polifunzionale Mobile, e continua a inseguire un ideale comunicativo originale che trova pochi termini di paragone e si lascia apprezzare per lunghi tratti.

domenica 18 novembre 2012

Philippe Petit: Extraordinary Tales of a Lemon Girl – Chapter III: Hitch-Hiking Thru Bronze Mirrors (Aagoo Records, 2012)

“Hitch-Hiking Thru Bronze Mirrors” è il terzo e conclusivo capitolo della trilogia “Extraordinary Tales of a Lemon Girl”, ideata dall’artista Philippe Petit (membro, tra le altre attività che svolge, degli Strings of Consciousness), che narra di un viaggio immaginario della “donna limone”, che in questo episodio intraprende il ritorno verso casa. L’album contiene dieci movimenti nei quali il francese mette a reagire il suo solito armamentario di strumetazioni varie, per dar vita a una musica da colonna sonora per un film inesistente, con i suoi momenti di tensione, le sue fasi oniriche e visionarie, in un susseguirsi di ambientazioni sonore di natura diversa. Il passaggio tra i brani risulta legato da un avanzamento concettuale coerente, fino a comporre una suite di quarantacinque minuti dove si alternano suoni, silenzi ed echi distanti, che emanano l’idea di posti lontani, paesaggi lunari, aridi e inospitali. Il lavoro va interpretato e messo il relazione con gli altri capitoli della trilogia, anche se potrebbe comunque spiazzare chi non ha dimestichezza con i concetti di avanguardia e musica concreta.

martedì 6 novembre 2012

The Red Paintings: nuovo album, singolo e tour dates

Nei prossimi mesi di novembre e dicembre i The Red Paintings saranno in tour in Europa per promuovere il nuovo album in studio CHINESE WHISPERS. Nel frattempo il lavoro è stato anticipato dal singolo "Streets Fell into My Windows", che ribadisce l'alchimia sonora della band di base in Australia: una sorta di art-rock orchestrale - molto ben congegnato e curato nei dettagli - che dal vivo si traduce in un'esperienza che unisce musica e immagini.

The Red Paintings CHINESE WHISPERS, UK & Euro Tour 2012

domenica 4 novembre 2012

Borderline Symphony: Ragazze con pistole (Autoprodotto, 2012)

I Borderline Symphony sono un duo italo-svizzero composto da Luca Pollioni (voce, chitarre, tastiere) e Filippo Argento (basso, tastiere) che siluppa musica pop-rock servendosi di approccio stilistico lo-fi, inteso come utilizzo di un certo tipo di strumentazione vintage – vedi mellotron, synth d’annata – e di un metodo di registrazione che non prevede smussature d’abbellimento, compressioni e taglia/incolla digitali. Una modalità analogica che dà vita a undici tracce interessanti, sia per la qualità espressiva che per gli sviluppi formali, capaci di percorrere vie non sempre in discesa. Si respira aria densa di significati nel loro “Ragazze con pistole”, che a volte risulta calda e avvolgente, come nell’opener western “Per qualche euro in più”, e in altre occasioni sposa l’idea dell’easy listening, come in “La notte del dottor Dolce Vita”, o quella del rapporto delicato tra rock e wave, vedi “Settimana snob” o “Terrorismo!”. L’arte cinematografica entra prepotente nelle strategie compositive dei due ragazzi, sia nei titoli scelti per i brani in scaletta, ma anche per quel loro modo di sovrapporre strati sonori fino a creare scenari dal forte carattere descrittivo. In aggiunta alla ricetta dei Borderline Symphony troviamo batteria, violino e poco altro, per un insieme apprezzabile e lodevole sotto diversi aspetti.

LU-PO: Stendere la notte (Edizioni Musicali RAI, 2012)

Gianluca Porcu è il musicista che si cela dietro il moniker LU-PO e in questo nuovo episodio mette la sua musica al servizio, o per meglio dire in funzione, delle immagini del nuovo film diretto da Carlo Sarti. Si tratta di undici brani che uniscono intuizioni elettroniche con suoni prodotti da strumentazione acustica, come archi e clarinetto, trombone e mandolino. Un insieme singolare dunque, che spesso rilascia una sensazione di marcata malinconia, su andamenti medio-lenti e ambientazioni scure, che ben riflettono la proiezione del titolo scelto “Stendere la notte”. Musica da film che si regge in piedi anche sulle proprie gambe, ben piantate in un approccio compositivo di carattere classico, ma aperto a innesti di modernità espressiva, evidenti soprattutto nella scelta dei suoni operata dall’artista sardo, oggi di base a Torino. LU-PO non disdegna sconfinamenti in ambito dance-floor, come dimostra la traccia di chisura “La vampa”, e mette insieme un album dai lineamenti singolari e difficilmente definibili con un solo aggettivo.

Il Carico dei Suoni Sospesi: Non pratico vandalismo (Autoprodotto, 2012)

Difficile mettere ordine nella cifra stilistica de Il Carico dei Suoni Sospesi, perché nel loro “Non pratico vandalismo” vanno a inserirsi massicce dosi di elettronica, chitarre e fiati, fantasia espressiva ed esuberanza formale. Tracce che rapiscono l’attenzione di chi ascolta grazie a un approccio diretto e a un modo intelligente di plasmare la materia sonora, che non conosce facili prese di posizione, ritornelli ammiccanti e scorciatoie formali. Cinismo e ironia tradotti in musica con buonissima capacità di variare atmosfera pur mantenendo un nocciolo comunicativo importante e dalla tensione positiva. La band sviluppa, in sequenze logiche, drum & bass, citazioni cinematografiche che hanno segnato una generazione – vedi “Fight Club” o “Trainspotting” -, angoli dal sapore funk, wave sparsa a piene mani e ganci che maltrattano strati di subconscio, per via dell’alto grado di penetrabilità timbrica di Sara Matteini Chiari. La cantante, acida e dolce all’occorrenza, è il fulcro espressivo di una realtà che sa anche far ballare e coniuga rock in maniera camaleontica. In free download su www.ilcaricodeisuonisospesi.it

Varnadi: Contestatore romantico (Afre Music, 2012)

Sedici nuovi brani compongono “Contestatore romantico”, l’album con il quale Luciano Varnadi Ceriello ripropone la sua attitudine di cantautore dal taglio rockettaro, che sceglie di avvalersi di un contesto pieno di elementi sonori – mischiando chitarre, cori, archi e fiati – anziché ritagliarsi una nicchia in chiaroscuro, come amano fare molti suoi colleghi. Al centro delle tematiche proposte ci sono importanti spunti di riflessione, che trattano vivisezione, arte in genere, dipendenze e situazioni scomode dell’attuale quadro sociologico. Il tutto messo a reagire con sfondi dal piglio leggero, che non invadono quasi mai il primo piano vocale di Varnadi, dal timbro profondo e rilassato, con il quale il nostro imprime a ogni passaggio un marchio stilistico personale e ben riconoscibile. Le intenzioni espressive sono evidenti in brani come “Hot Videogame” o “I timidi”, dove convivono andamenti leggeri e temi dai significati profondi, e nei quali confluisco elementi di ska, groove di matrice settantiana e una serie di idee che vanno a formare una figura difficilmente perimetrabile. I vari ospiti presenti tra i credits, come il trombettista cubano Eugenio Samon, addizionano ulteriori spezie a una ricetta già di suo molto saporita.

venerdì 26 ottobre 2012

Alessandro Grazian: Armi (Ghost records, 2012)

“Armi” segna un cambiamento netto nel percorso artistico di Alessandro Grazian, finora caratterizzato da una cifra stilistica delicata, curata nel dettaglio timbrico e per dirla con un solo aggettivo “equilibrata”. Non che il nostro abbia perso il buon gusto per l’attenzione alle sfumature, ma brani come la title track non ne aveva ancora partoriti, così pieni di energia, creatività e voglia di rompere uno schema prestabilito. Sembra voler dire, a chi gli è intorno, di essere capace anche di fare cose diverse dal consueto, o probabilmente la sua è un’urgenza espressiva che oggi prende forma in maniera evidente. L’album porta in dono delle ottime canzoni, come “Se tocca a te”, momenti dove emerge l’innato rispetto per le strutture formali di Grazian, vedi “Soltanto io”, e attimi dove si intravede in filigrana la sua forza poetica, come in “Helene”. Brevi frammenti di potenza creativa, come in “Non devi essere poetico mai”, si alternano con gesti più delicati e dal minore impatto al primo ascolto, come “Il mattino”. A conti fatti si tratta dell’ennesima prova riuscita di Grazian, che continua a gravitare intorno a un emisfero sotterraneo con poca visibilità mediatica, ma lo fa con tanta stoffa da vendere anche a sarti cantautorali molto più nominati di lui.

Max Petrolio: Humor pomata (Seahorse/Audioglobe, 2012)

Con “Humor pomata” Max Petrolio conferma le buone impressioni destate con i precedenti lavori, e ribadisce la sua attitudine cantautoarle che unisce ironia, significati importanti e freschezza espressiva. In scaletta troviamo sette brani – per poco più di mezzora - che si ritagliano un angolo stilistico prossimo alla new wave, perché capaci di far confluire in unico discorso sia le sonorità acustiche che alcune parti sintetiche, per quello che potremmo definire come electro-pop d’autore. Alternativo, dunque, a quelle maniere che riconducono sempre e comunque a schemi precostituiti e dozzinali. Il nostro mette a reagire diverse strategie compositive, sceglie le parole con buon gusto, innesca ritornelli mai banali e non fa mancare ai suoi brani una decisa dose di cantabilità, che non guasta, come in “Humor 3”. Ibridazioni che fanno nascere situazioni surreali e atmosfere sinistre, che poi si tramutano in visioni isteriche di un’attualità descritta con buona originalità. Nel complesso “Humor pomata” risulta come un album intelligente e con un pensiero critico e viscerale, a tratti scomodo e allucinato, e che difficilmente aprirà le porte alla larga fruizione.

sabato 13 ottobre 2012

Sergio Sorrentino: Tempus Fugit (Silta Records, 2012)

L’album di Sergio Sorrentino “Tempus Fugit” porta in copertina la dicitura “Past and Future in the Contemporary Guitar Music”. Segno che il chitarrista intende intraprendere in questi dieci brani un viaggio chitarristico in grado di esplorare e unire in un unico discorso il passato e l’attualità dello stile chitarristico, con uno sguardo rivolto al futuro. Idea ambiziosa, e dunque interessante. Ne viene fuori una musica ostica, tra improvvisazioni, brani originali e riletture senza tempo, che amano percorrere territori scoscesi, fatti di suoni ora staccati e distanti, ora di intrecci dall’intenzione labirintica. Sorrentino utilizza un linguaggio molto personale, che difficilmente trova paragoni nel panorama avanguardistico. Si serve di chitarra barocca, chitarra battente, elettrica e nastri per dar vita a un complesso gioco di riflessi, dove l’imprevisto è dietro l’angolo, e nel quale non c’è traccia di soluzioni accomodanti e senza un significato ben preciso. All’interno del booklet ci sono delle note esplicative dello stesso Sorrentino, decisive per accopagnare un ascolto altrimenti senza un chiaro punto di partenza.

Deison: Quiet Rooms (Aagoo Records, 2012)

Deison mantiene nei contenuti di “Quiet Rooms” le aspettative racchiuse nel significato del titolo. Si tratta infatti di quattro movimenti (denominati “Room I-IV”) che riflettono le sensazioni e gli scenari immaginari di stanze silenziose, con le loro ansie, i loro rumori ambientali e un drone di sottofondo che accompagna l’intera registrazione. Circa quarantasei minuti di muisca ambient, intesa come proiezione in sound del nulla. Il niente che anziché essere fatto di spazi vuoti viene riempito con una sorta di densità sonora che oscilla tra momenti più o meno intensi. Una musica che sembra non avere mai inizio, ma che a conti fatti si rivela infinita, da mettere in loop fino a formare un’onda continua che inesorabilmente invade l’area circostante. Proposta che al semplice ascolto non risulta di grande appeal, e che porge il fianco alla facile distrazione, ma che potrebbe rivelarsi decisiva in caso di installzione artistica, a commento di immagini che ne amplifichino gli eventuali significati. Chiamala se voui avanguardia.

venerdì 12 ottobre 2012

Electric Electric: Discipline (Africantape, 2012)

Gli Electric Electric sono un trio francese attivo dal 2005, che negli ultimi anni ha iniziato a mettere fuori il naso dai confini nazionali, raggiungendo palchi di una certa importanza come quello del Pop Montreal o della rassegna SXSW di Austin. Il loro è uno modo di scolpire la materia musicale che non bada molto al dispendio di bpm e che non conosce mezzi termini espressivi. Chiarezza d’intenti che si traduce in un sound tambureggiante, infarcito di innesti elettronici che compensano gli spazi lasciati vuoti da batteria e chitarra elettrica. Degli undici brani in programma del loro “Discipline” rimane difficile sceglire un momento meglio messo a fuoco di altri, perché si tratta di un’idea espressiva continua, che non conosce né soste né deragliamenti stilistici. Difficile anche rimanere fermi ad ascoltare gli Electric Electric, dal momento che più di qualche passaggio risulta congeniale per gli amanti del dancefloor, ma anche per i tanti che sotto a un palco preferiscono perdere volentieri il senso dell’orientamento, vedi l’esemplificativa “Summer’s Eye”. Disponibile anche in doppio vinile.

Stumbleine: Spiderwebbed (Monotreme, 2012)

Dato diverse volte per defunto il Bristol sound riemerge dal sottosuolo spesso e volentieri vestito di sensibili variazioni, ma integro nelle intenzioni e nell’anima. È il caso di Stumbleine, producer che licenzia per Monotreme il godibilissimo “Spiderwebbed”. Dieci tracce curate nel dettaglio timbrico e ritmico, capaci di avvolgere l’ascoltatore in un abbraccio dai toni soffici e garbati. Questo anche grazie al supporto di ospiti funzionali alla causa, come i vocalist CoMa e Steffaloo che rendono di pregio tessiture armoniche pensate con estrema dedizione. Ritmi versati a un atteggiamento da club-culture carattrizzano l’iniziale “Cherry Blossom”, c’è la malinconia di una ballad inquieta come in “Fade into You” (cover del brano dei Mazzy Star), ci sono situazioni di piacevole smarrimento temporale, che spingono al lasciarsi andare sulle onde melodiche, ai piani sonori che si sovrappongono senza fretta alcuna. Quaranta minuti proiettati nell’attualità, con un piede nel passato e uno in procinto d’essere spinto verso evoluzioni future.

Intuitive Music Quartet: “Music from fur kommende seiten by Karlheinz Stockhausen” (Silta Records, 2012)

Non è impresa semplice addentrarsi nella musica eseguita dell’Intuitive Music Quartet, a meno che non si è pratici di maniere avanguardistiche e in particolar modo dell’opera firmata da Karlheinz Stockhausen. Questo perché il loro è un lavoro versato al ciclo di testi Für Kommende Zeiten, eseguito rispettando l’intenzione primaria del compositore tedesco. Ne viene fuori un album ostico, dove si alternano silenzi, note staccate, accostamenti timbrici azzardati, per un insieme che si muove in maniera incostante tra improvvisazioni estemporanee e situazioni di assoluta libertà formale, dove melodia, ritmo e punti di riferimento certi lasciano il posto a sorprese continue. La tromba di Mario Mariotti è forse l’unico elemento di riconduzione a una linea espressiva commestibile, mentre il lavoro di liquefazione sonora è ben messo in atto dal pianismo di Mell Morcone, dai suoni sintetici di Walter Prati e dal basso solitario di Giorgio Dini. Musica intuitiva.

mercoledì 10 ottobre 2012

Go!Zilla: Go!Zilla EP (Santavalvola, 2012)

Sei brani adrenalici stipati in quarto d’ora compongono l’ep omonimo dei Go!Zilla, duo fiorentino all’esordio composto da Luca Landi (chitarra e voce) e Andrea Delvento (batteria e voce), che hanno chiamato in causa Jason Ward per la masterizzazione effettuata in quel di Chicago. Il loro è un sound esportabile, basato su un approccio alla materia musicale molto concreto, fatto di slanci chitarristici, voci distorte e ritmi serrati, ben chiaro già nell’opener “I’m Bleeding”, brano che ricorda vagamente il riff della depechemodiana “Personal Jesus”. La storia cambia di poco nei restanti passaggi, spostando il nucleo espressivo di questa interessante realtà verso territori garage-punk, dove è alto il grado di coinvolgimento della musica prodotta. Uno scatto buono per la breve distanza, e che fa dunque ben sperare per un’eventuale prova sull’intero giro di pista.

TaranProject con Marcello Cirillo: “Rolica” + Live dvd (CNI, 2012)

Con “Hjuri di hjumari” i Taranproject di Mimmo Cavallaro e Cosimo Papandrea avevano tracciato la nuova strada per la tarantella calabrese, con un approccio istintivo e un modo di scolpire la materia musicale fresco e attuale. A poco tempo di distanza arriva “Rolica”, album che prosegue idealmente quel discorso, stavolta maggiormente rivolto a un pubblico più ampio, in nove brani dal suono meno aspro e più fruibile. A contribuire a questa sorta di livellamento espressivo contribuisce la presenza di Marcello Cirillo, calabrese di nascita e romano d’adozione, che ha scelto di contribuire in maniera spontanea alla causa portata avanti da questa interessante realtà. La miscela timbrica, fatta di fiati, percussioni, organetto, lira calabrese e inserti elettrici, riesce a cogliere nel segno e coinvolgere, tra rivisitazioni di canti popolari e brani originali, in un andamento coeso e dal buon impatto emozionale.

Dalle tante apparizioni live che hanno visto protagonisti Mimmo Cavallaro e soci è scaturito il dvd TaranProject: “Kaulonia Tarantella Festival” (CNI, 2012), che testimonia la grande forza espressiva di questa band, capace di attrarre e trascinare una folla danzante in quel di Caulonia (il 23 agosto 2011), comune situato nel cuore della Locride. L’elemento decisivo che emerge da questa ripresa dal vivo è proprio il ballo di alcuni dei protagonisti e della folla giunta sotto il loro palco, ingrediente basilare per l’esatta riuscita della formula stilistica proposta. Riprese semplici e senza effetti ritraggono la band – alla quale si unisce per alcuni brani Marcello Cirillo - per oltre un’ora nel suo splendore di colori e timbri, nel suo insieme colmo di positività fatto di tradizione e nuovi idiomi.

Buildings: Melt Cry Sleep (doubleplusgood, 2012)

C’è dell’energia in “Melt Cry Sleep”, il nuovo lavoro firmato Buildings, band di Minneapolis che in questi dieci brani continua a perseguire un discorso noise-rock a presa rapida e di sicuro coinvolgimento. Ritmi sostenuti, a tratti apocalittici, dinamiche sempre importanti, sonorità costantemente innestate di timbri ruvidi e ostili caratterizzano l’intera registrazione, cosicchè nella mezzora proposta non ci sono momenti per eventuali riflessioni, né per situazioni più tranquille. Brian Lake mantiene una condotta vocale dai lineamenti satanici, mentre la tensione ritmica è garantita dal drumming portentoso di Travis Kuhlman e dal nuovo bassista Sayer Payne. Emergono rigurgiti grunge, c’è l’irruenza del punk più genuino, e si avverte la sensazione che i ragazzi, oltre che a mostrare i muscoli, sappiano mettere in fila un discorso di coerenza stilistica, che sulla carta li potrebbe portare a una certa originalità, che per il momento si intravede tra le maglie fitte del loro album.

lunedì 8 ottobre 2012

Transmontane: Staring Back at You (Sick Room Records, 2012)

Ryan Duncan è la figura che si cela dietro al progetto Transmontane, giunto al secondo episodio dopo l’esordio de “Lo specchio circolare”. Il nuovo “Staring Back at You”, edito da Sick Room Records di cui il nostro è cofondatore, propone undici brani dal taglio cantautorale, innervati di sapori malinconici, scenari essenziali e colorati di tonalità grige e offuscate. In questo lavoro c’è una grande monotonia, che può rasentare i confini della noia, ma anche affascinare e colpire nel cuore di chi ascolta. Valutazione soggettiva, alla quale si contrappone la reale nitidezza di un modo espressivo lontano dalle soluzioni a portata di mano, che intraprende puntualmente la strada più in salita possibile. Sembra che Duncan ami mettere degli ostacoli tra lui e chi lo ascolta, perché oltre a un timbro ruvido e profondo si lascia accompagnare perennemente da una chitarra dal suono distorto, rugginoso. Disponibile in vinile e in formato digitale.

Keiki: Popcorn from the Grave (Cheap Satanism Records, 2012)

Dieci tracce stipate in poco più di mezzora compongono “Popcorn from the Grave”, terzo lavoro del duo Keiki, di base a Bruxelles. I ragazzi autodefiniscono il loro stile come satanic-pop, etichetta plausibile dal momento che l’album presenta sia soluzioni melodicamente morbide, sia atmosfere sinistre e introspettive. Proposta che potremmo collocare temporalmente nella seconda metà degli anni Ottanta, vicino a certe produzioni chiaroscurali della 4AD, e che risente in maniera positiva - soprattutto dal punto di vista ritmico - di una decisa iniezione di elettronica. L’album nel suo complesso si lascia ascoltare con interesse, anche se non ci sono momenti particolarmente coinvolgenti, né brani a presa rapida capaci di rimanere in mente al primo passaggio. I due ospiti presenti tra i credits (Pete Simonelli e Eugene Robinson) aggiungono un po’ di sale alla ricetta dei Keiki, che però in questo episodio strappano una sufficienza interlocutoria.

Tamales de Chipil: Un largo camino (UPR/Edel, 2012)

Sono italiani i Tamales de Chipil, ma si sono ispirati fin dalla loro nascita al Messico e alla sua musica, fatta di velata nostalgia, ritmi ballabili e sonorità calde e coinvolgenti. “Un largo camino” non fa eccezione in una discografia giunta al terzo capitolo e intervallata da partecipazioni a importanti festival in ambito latino-americano (Vivalatino 2012). In questo lavoro i ragazzi non dimenticano le loro origini con un’azzeccata cover di “Amara terra mia” di Domenico Modugno, spaziano andando a pescare nel repertorio di Jimi Hendrix, omaggiato con “Drifiting”, e accompagnano l’ascoltatore tra rifacimenti di musica popolare messicana e brani originali. Nel loro calderone stilistico vanno a confluire reggae, ska, bossa e un certo mood cantautorale tradotto dalla voce di Antonio Adamo Lauria, dal timbro deciso e dal piglio narrativo. Album interessante sia per chi già conosce questa variopinta realtà, ma che potrebbe rappresentare una via d’accesso anche per quelli che solitamente scartano a priori certe proposte.