Lüger: Concrete Light

Il quintetto madrileno Lüger – già in vista in alcuni festival importanti come il Primavera e il South By Southwest - dà seguito all’omonimo debutto del 2010 con un album che ne ribadisce l’ottimo approccio stilistico, a metà strada tra rock tendenzialmente industrial (“Dracula’s Chauffeur Wants More”), estasiante psichedelia e una dose di riconoscibilità melodica che non guasta. Sono questi gli elementi che emergono dalle sette tracce di “Concrete Light”, lavoro dove si alternano atmosfere sinistre, come in “Zwischenspiel”, nella quale fa bella mostra il sitar di Daniel Fernandez, e sintesi elettroniche, come nell’iniziale “Belldrummer Motherfucker”, un pezzo strumentale che scomoda paragoni fin troppo scontati con la serialità della scena kraut di settantiana memoria. I ragazzi si muovono in maniera decisa attraverso un percorso mai scontato, che li vede spingere spesso sull’acceleratore espressivo, come nella vorticosa e ipnotica “Monkey’s Everywhere”. “Concrete Light” non mostra evidenti punti deboli, rimanendo in costante tensione espressiva, che a sua volta richiede a chi ascolta un piccolo sforzo di attenzione.

Tindara: Quando parlo urlo

I Tindara conoscono il loro debutto negli undici brani che compongono “Quando parlo urlo”, un album di rock italiano molto curato sotto l’aspetto produttivo (firmato da Luca Bergia dei Marlene Kuntz), che porta in serbo diversi motivi di interesse e alcuni passaggi trascurabili. I nostri si fanno largamente apprezzare quando propongono un suono d’insieme avvolgente, pronto nel colpire a fondo grazie ai ritornelli piazzati con decisione, come in “Ho scelto il nero”, mentre si perdono in un’anonima sufficienza quando i toni si fanno più compassati, come nella title track. A emergere è sempre più la voglia di urlare anziché di parlare, attitudine che affiora in “Sopra la delusione”, tra i momenti meglio messi a fuoco di una scaletta apprezzabile, alla quale fa da relativo poco convincete “Sogna che ti passa”, brano con atteggiamento pop leggermente fuori luogo. Forse si poteva azzardare qualcosa in più, ma per il momento va bene così, perché i ragazzi hanno trovato una giusta base dove poter costruire qualcosa di importante.

Joan & The Sailors: Mermaid

“Mermaid” è un disco dove confluiscono diversi filoni espressivi: c’è del retrogusto folk, c’è una netta sensazione di malinconia cantautorale, c’è anche del post rock spinto al giusto livello di introspezione. In “Mermaid” c’è la voce di Joan – profonda, sensuale e un pizzico bjorkiana – che si prende quasi tutti i primi piani, relegando i suoi Sailors a tessere fitte tele melodiche, fatte di violoncello, ritmica robusta e chitarre timbricamente gentili. Dodici brani che nel loro insieme compongono un quadro sonoro importante, dove non trovano spazio né i silenzi – anche se l’incedere è spesso compassato, riflessivo – né gli spiragli di luce, anche perché Joan concede poco e niente al registro alto, ed è restia nel liberare in cielo melodie che tiene strette al petto, come gioielli preziosi, dei quali non ci si può disfare con troppa semplicità. Brani che portano nel loro destino una coerenza certa, fino alla “traccia fantasma”, che chiude il cerchio in splendida dissolvenza. Un’ora di musica incredibilmente buia, magnificamente impenetrabile.

Diego Nozza: Hard Core (Crac Edizioni)

Hard Core di Diego Nozza vuole essere nelle sue intenzioni un’introduzione al punk italiano degli anni Ottanta, come del resto recita senza indugi il sottotilono posto in copertina. È in effetti lo è, ma non solo. Perché il libro può risultare buono sia come viatico, come campo base da dove partire alla scoperta di un panorama ampio e insidioso, ma anche un punto di arrivo, un ottimo riassunto per coloro che vogliono solo prendere visione di ciò che è accaduto in Italia – nel sottosuolo della musica del nostro Paese - a cavallo tra i Settanta e gli Ottanta. Il libro è strutturato in maniera semplice quanto lineare e di immediata comprensione. A una parte introduttiva, nella quale viene descritta in modo complessivo la scena di quegli anni, seguono delle mini biografie di un numero considerevole di gruppi, suddivisi in modo ragionato in prima e seconda ondata. Linea di confine necessaria per guidare il lettore tra i gruppi che hanno sviluppato un’attitudine punk derivante dall’estero e altri che sono stati in grado di erigere una tessitura culturale, musicale e politica tipicamente italiana. Band che sono elencate in rigoroso ordine alfabetico, tra le quali troviamo nomi dimenticati, altri più famosi, metti i Gaznevada o le Kandeggina Gang di Jo Squillo, altri ancora che hanno fatto parte della situazione in maniera marginale, alcuni che non sono mai arrivati a incidere dischi ma che hanno contribuito a fomentare la scena. Un orizzonte multiforme, spontaneo, nel quale non era semplice muoversi vista l’assoluta mancanza di fondi a disposizione, caratterizzato dalle difficoltà nel coprire le distanze e dunque relazionarsi in maniera costruttiva con altre realtà, dall’esigenza di creare, e in certi casi occupare, spazi come i Centri Sociali nei quali esprimersi liberamente, senza eventuali patteggiamenti. C’è dunque una storia in questo libro, che si rintraccia e che si mette insieme attraverso la descrizioni, a volte brevissime, dei singoli gruppi. Un puzzle multiforme che solo dopo averne rimesso insieme tutte le tessere regala una figura singolare e ben delineta. – 152 pgg – 14 euro.

Joy as a Toy: Dead as a Dodo

“Dead as a Dodo” è il secondo lavoro dei belgi Joy as a Toy (Gil Mortio, Clément Nourry, Jean-Philippe De Gheest), che in questo nuovo episodio propongono una scaletta – quasi esclusivamente strumentale - che prende spunto dalla musica di Ennio Morricone e i Goblin, proiettandosi in una terra di confine in equilibrio tra la sountrack di un film horror e una tessitura dai filamenti progressive-rock. Miscela di sicuro interesse, che trova il giusto innesco in “Subway To Your Brain”,un brano dalla melodia facilmente assimilabile, seguita dai brevi accenni di “Better Lock you Door” e “Successful Failure”, che introducono “Zombie Safari”, passaggio dai lineamenti vintage, con riferimento agli anni Settanta e a tutto quel substarto culturale che rimanda costantemente alle colonne sonore, meglio se in modalità low-fi. Disco nel complesso non semplice, dall’andamento irregolare e che a volte cede il passo a qualche situazione priva di senso concreto, ma anche per questo apprezzabile soprattutto da chi cerca un ascolto lontano dalle soluzioni semplicistiche.

Adam’s Castle: Vices

Gli Adam’s Castle sono originari di Detroit, ma negli ultimi anni si sono gradualmente spostati nell’area newyorkese, entrando a far parte della scena sotterranea di Brooklyn. Sono una band dall’alta produttività creativa, e il loro full length “Vices” (2010) conferma una certa attitudine alla ricerca, all’ibridazione di stili e modi lontani. In queste nove tracce strumentali la musica del trio oscilla tra situazioni caratterialmente progressive, lidi che risentono positivamente di una corrente di jazz elettrico, al rock in senso stretto. Spesso i ragazzi giocano le loro carte su tempi veloci, sfruttando la buona propensione ai ritmi serrati, come in “You’re Fucking the Best” e “Bender”, ma si lasciano apprezzare anche in situazioni più pensose, leggi in tal senso “VLM”, e nella funky oriented “Alarm Clock”. Una buona alternanza di umori dunque, tradotta in particolar modo dalle melodie sviluppate dal piano elettrico di Sami Jano, che è il centro gravitazionale di questa interessante realtà, supportato dalla ritmica rocciosa di Eric Adams (basso) e Zach Eichenhorn (batteria). Lavoro di indubbia valenza, farcito di effetti e soluzioni originali, che si posiziona a debita distanza dall’incasellamento immediato.

I Cosi: Canti bellicosi

Sono trascorsi cinque anni da quando I Cosi si erano fatti notare con l’album di debutto “Accadrà”, e oggi con “Canti bellicosi” ripropongono il loro stile rock-pop orecchiabile, leggero, in equilibrio tra momenti intimi e giocati in punta di melodia, con altri che spingono maggiormente sul tasto della larga fruizione. Si tratta di dieci brani nei quali al centro delle tematiche troviamo il concetto di conflitto, con riferimento specifico ai rapporti sentimentali. I ragazzi (Marco Carusino: voce e chitarra, Antonio Mesisca: basso e Alessandro Deidda: batteria) raggiungono la giusta cifra espressiva in brani come “Cerco dentro me”, e sanno proporre la parte più tagliente e intrigante del loro sound in “Quello che so”. La scaletta scorre via senza intoppi e senza grandi deragliamenti, grazie a un concetto melodico sempre vivo e qualche ritornello a presa rapida. Il trio milanese mantiene costantemente lo sguardo rivolto al passato, con attenzione alla musica italiana degli anni Sessanta, dalla quale prendono in prestito alcuni ingredienti stilistici, pur riuscendo a emanare una fresca sensazione di attualità.

Violassenzio: Nel dominio

Per la band ferrarese Violassenzio si tratta del secondo lavoro sulla distanza che conta, a due anni dall’interessante “Andrà tutto bene”, un album che aveva ottenuto diversi riscontri positivi da parte di critica e pubblico. “Nel dominio” riallaccia i fili con il rock cantautorale dell’esordio, e propone quattordici brani legati insieme da un concept che gira intorno al termine “dominio”, inteso come controllo dei numeri e di conseguenza del potere politico e degli eventi. Assistiamo quindi a un innalzamento sensibile dell’asticella espressiva e dei significati, per un lavoro ambizioso e complesso, che si lascia apprezzare per lunghi tratti e che non si sottrae a qualche caduta di tensione. Tra le cose migliori segnaliamo il buon taglio rock di brani come “Rinchiusi in una scatola” e “Nelle fabbriche”, nei quali travano spazio dei momenti only instrumental che allargano le vedute stilistiche del gruppo, che in questo modo riesce a uscire leggermente dagli schemi precostituiti della song in senso stretto. La voce di Fabio Cipollini si pone al centro dello scenario proposto, mentre al suo fianco la solida intelaiuatura di basso-chitarra-batteria viene in alcuni casi ingentilita dalla presenza di pianoforte e synth. Nel suo complesso la strada intrapresa sembra essere quella giusta.

Following Friday: Outside the Fence EP

Secondo Ep per gli italiani Following Friday, che con i sei brani di “Outside the Fence” ribadiscono la loro attitudine pop oriented, e non aggiungono granchè a quello già sentito nel precedente lavoro. Si tratta di una formula che strizza entrambi gli occhi alle sonorità radiofoniche, con linee melodiche chiare e dirette, che non conoscono momenti di tensione o strappi alla regola stilistica. Intenzione evidente già nella traccia d’apertura “First Shot is the Hardest”, che sintetizza il credo di questa band, che sembra avere bene in mente la strada da percorrere. Percorso però da verificare sulla lunga distanza, lì dove con tutta probabilità quello proposto fino a questo momento non basterà.

Orlando Andreucci: Inusitato

Quella di Orlando Andreucci è una voce che canta fuori dal coro. Il cantautore romano, classe ’47, se ne resta lontano dalla facile fruizione, dai ritornelli a presa rapida, dagli abbellimenti di facciata. Il suo modo di intendere il songwriting rimanda ai grandi del passato, a un tempo sparito, coniugato nel presente dei dieci nuovi brani che compongono “Inusitato”, un album che bada al sodo, ai significati concreti. Parole che seguono la narrazione di eventi e descrivono persone, che si pongono in garbato primo piano sullo sfondo musicale che si sposta da andamenti dal sapore jazzy ad altri più disimpegnati, rimanendo sempre nell’ambito dell’essenzialità, elemento basilare di questo lavoro, preannunciato anche dall’artwork in bianco e nero, semplice e minimale. Al fianco di Andreucci c’è l’accompagnamento della sua chitarra e del pianoforte elegante di Primiano Di Biase, ingredienti che servono a rendere notturne le atmosfere proposte, avvolte in quella malinconia che sa colpire le giuste corde emozionali. Canzoni registrate in un paio di sedute, che rimandano costantemente l’idea della spontaneità, e che si lasciano ascoltare – e riascoltare – con interesse, proprio per la qualità della pazienza che portano dentro di loro e che richiedono per essere apprezzate in tutte le loro sfumature. Non ci sono momenti di maggiore appeal, l’intero lavoro si muove compatto in un territorio denso di valori, di descrizioni minuziose e toni calibrati. Rarità.

Shelley Short: Then Came the After

Shelley Short prosegue il suo percorso cantautorale riprendendo le linee tenui e le timbriche accennate nel precedente “A Cave, a Canoo”, per dar vita ai dodici nuovi brani che compongono l’altrettanto malinconico e chiaroscurale “Then Came the After”. Album registrato a cavallo tra il 2010 e il 2011 con la collaborazione attiva del fidato Alexis Gideon, e con un gruppo di musicisti pronti a delineare gli sfondi sui quali la voce di Shelley narra storie di vita personale, relazioni e misteri dell'esistenza. La songwriter di Portland non ama fare le cose di fretta. E i suoi brani emanano in maniera inesorabile questa attitudine compositiva e caratteriale. Cosicchè assistiamo al lento succedersi di eventi sonori, che ci accompagnano dalle gentilezze melodiche di “Right Away”, ai lineamenti impalpabili di “Plane”, dove Shelley mostra un timbro vocale al limite della trasparenza, ai tratti più marcati di “Steel”, nella quale la chitarra elettrica di Gideon rende qualche buona grinza al tessuto pregiato di questo lavoro. Ci sono poi dei passaggi fragili, come “Caravan”, che contribuiscono a impreziosire il tutto e che potrebbero trovare la propria ragione in un sottofondo a lume di candela. La voce di Shelley Short – molto levigata, mai fuori da un binario espressivo coerente – segna in maniera indelebile un album che va ascoltato in tutte le sue sfumature, facendo parecchia attenzione ai particolari. Prendetevi del tempo libero.

Nedry: In a Dim Light

I Nedry sono un trio di base a Londra, composto dai multi strumentisti Chris Amblin e Matt Parker e la vocalist Ayu Okakita, capace di sviluppare atmosfere avvolte in un chiaroscuro costante, fatto di suoni riverberati, andamenti ritmici medio-lenti e sonorità che si sommano senza fretta fino a formare un insieme di sicuro impatto. Il loro “In a Dim Light” dà continuazione al precedente “Condors” e si muove in un ambito trip hop intriso di suoni elettronici, che oscilla tra temi ballabili ad altri più cupi e riflessivi. Insieme che trova il giusto equilibrio melodico in pezzi come “Home” e “Here.Now.Here”, nei quali la voce bjorkiana di Ayu Okakita – tratto distintivo dello stile e dell’approccio di questa band – libera la sua bellezza timbrica, riuscendo a disegnare passaggi fascinosamente intriganti. I ragazzi sanno innescare la giusta tensione ritmica, mantenendo sempre vivo il discorso melodico, anche quando, vedi “Dusk Till Dawn”, le atmosfere tendono a farsi più ferme, quasi a sottolineare con troppa ostentazione il proprio credo stilistico. Volendo trovare un difetto a “In a Dim Light” si potrebbe puntare il dito verso le evidenti derivazioni che il gruppo porta dentro di sé, leggi Portishead e parenti stretti, ma la miscela e l’intuizione con la quale il tutto viene messo insieme riescono a lasciare in secondo piano ogni, eventuale, aspetto negativo.

Jester at Work: Magellano

Jester at Work è Antonio Vitale, cantautore con addosso un mantello stilistico dalle trame vintage. Sarà per quel modo di cantare rugginoso, su accordi essenziali, sarà per quel suo modo di scolpire la pietra musicale a mani nude, fino ad estrarre un’essenza espressiva profondissima. Jester at Work realizza “Magellano”, un album che segue il precedente “Lo-fi, Back to Tape”, che diversi consensi aveva raccolto in ambito strettamente underground, presso una nuvola di cultori che ne avevavo apprezzato il suo modo analogico (nell’accezione più aderente del termine, in quanto si trattava di brani registrati con un registratore analogico Fostex) e il suo modo interpretativo minimale, vero. E gli undici brani qui proposti non sono che la conseguenza naturale di quel lavoro; sono undici dipinti a mano libera, con un modo che non conosce gli ammiccamenti, le scorciatorie melodiche, le furbatine che a volte si celano dietro il file under songwriting. Le linee interpretative di Vitale si reggono in piedi grazie al sostegno della sua chitarra acustica, con la quale dialoga e intavola discorsi brevi e di immediata comprensione, in un album da ascoltare in più riprese, aspettando magari un giorno di pioggia per far attecchire ancora di più le sensazioni che rilascia a piene mani. C’è della malinconia. Mista a speranza. C’è voglia di raccontare storie sensate in “Magellano”, un lavoro che si lascia ascoltare senza nauseare. E di questi tempi, scusate se è poco.

Extra Life: Dream Seeds

“Dream Seeds” è per gli Extra Life di Charlie Looker il terzo lavoro sulla distanza che conta, e rappresenta un punto di cambiamento della band di Brooklyn, perché da quintetto i ragazzi si sono ridotti a trio e perché il loro approccio alla materia musicale si è fatto, da “Made Flesh” a oggi, meno sperimentale e più vicino a un’idea di intimità compositiva. Questa è la prima impressione che ci viene fornita dall’opener “No Dreams Tonight”, un pezzo dove la voce di Looker – più morrisseyana del solito – canta di scenari immaginari su uno sfondo melodico esile e lineare, come non eravamo abituati e come non ti aspetti dagli Extra Life. Di certo non mancano le ruvidezze e i momenti più aspri, nei quali la band continua a dare il meglio di sé, riuscendo a tirare al punto giusto i fili di una tensione palpabile, una sorta di urgenza espressiva tradotta in andamenti ritmici spezzati, melodie angolari, situazioni al limite del tetro. Nei brani proposti si parla di bambini e di sogni (Charlie Looker è un maestro di musica di una scuola elementare), c’è dunque un mondo difficile da esplorare che può trasformarsi anche in incubo. In tal senso è esplicativa “Discipline for Edwin” che, con dei cambiamenti di scenario improvvisi, ben delinea questo aspetto della musica degli Extra Life. I ragazzi – sia a livello formale che espressivo – sanno il fatto loro, hanno nelle corde una capacità tecnica tale da poter reggere con grande credibilità discorsi su più tavoli, cosicchè i loro lavori non riescono a passare inosservati, anche quando hanno l’aria di momento di transizione.

Bee and Flower: Suspension

C’è la voce di Dana Schechter al centro della strategia dei Bee and Flower, band di stanza a New York, con diverse sortite in quel di Berlino, che dal 2000 a oggi ha dato vita a molti lavori tra colonne sonore e album, compreso il loro terzo e interessante “Suspension”. Lavoro che mantiene inalterata la loro cifra espressiva, capace di inglobare varie sfaccettature stilistiche, che spaziano – con buona duttilità formale – da toni chiaroscurali a territori più illuminati, da tenere linee melodiche a qualche tensione che non guasta. Il riferimento è a brani al limite del tetro come “You’re not the Sun”, o a quelli gentili come “Swallon Your Stars”, dove la voce di Dana danza su un intreccio delicato, fatto di cori, fiati, ritmica sospesa e mai invadente. Tra le cose migliori va segnalata la pop oriented “Waiting Room”, ma anche le ombre che avvolgono un passaggio tra i più profondi e sentiti, come “Overrun”. Stanze sonore arredate con grande gusto, dove ogni particolare è curato con parsimonia, e dove a volte riesce a filtrare qualche raggio di luce intensa, come nella conclusiva “Simple Life”, nella quale arriva anche il solo di tromba di Martin Wenk (Calexico) anche se non determinante. Decisivo è invece l’approccio generale che la band sa imprimere a fuoco a questo lavoro, un album dove si avverte molta qualità, con delle strutture pensate al dettaglio, ma mai a discapito di un'interpretazione sempre di livello assoluto.

Cristina Donà: live @ piper club 3 maggio 12

Certamente l’album ‘Torno a casa a piedi’ ha aggiunto un tassello importante alla storia di Cristina Donà. Il passo avanti è stato notevole. I lavori del passato avevano raggiunto livelli di ottima fattura, ma stavolta abbiamo avuto la netta sensazione di trovarci di fronte a un classico, a uno di quei passi destinati a non subire flessioni nel tempo. E di tempo ne è passato dal suo esordio artistico, raccontato insieme ad altri episodi della sua carriera nella sua prima biografia ufficiale, ‘Parlami dell’universo. Storia di un viaggio in musica’, scritta da Michele Monina per Galaad Edizioni. Un viaggio in musica è stato anche il tour promozionale che, da un anno a questa parte, la vede ancora impegnata sui palchi. Ieri, la cantante lombarda ha fatto tappa nel prestigioso Piper Club di Roma.

Ha fatto tanti chilometri Cristina Donà. Speriamo, per lei, non a piedi. Tanti veramente, al punto che, se ci mettiamo la tappa di gennaio nella limitrofa Ciampino, è la terza volta che i fan romani hanno la possibilità di ascoltarla dal vivo nella loro città. Il Piper è la discoteca per antonomasia, nella capitale e non solo. Un posto, uno dei pochi a dire il vero, dove il rock si può ascoltare al giusto volume, dove il suono non tradisce, e dove da un po’ di tempo si è tornati ad organizzare concerti in maniera degna, con nomi di un certo rilievo. Per la Donà c’era il pericolo di un inflazionamento. Invece, sotto il suo palco, si è radunato un numero consistente di ammiratori, da lei definiti “giapponesi”, vista la mole di macchine fotografiche che la stavano immortalando. Del resto è una figura di sicuro interesse, una cantautrice dalle grandi doti interpretative. Vive le sue canzoni in maniera molto profonda, sia che si tratti di brani delicati, sia nei momenti in cui c’è da lasciare il graffio, lì dove è l’amarezza a farla da padrona.

Alle sue spalle un trio – Saverio Lanza (tastiere, chitarre, cori), Emanuele Brignola (basso e contrabbasso), Piero Monterisi (batteria) – che riesce a vestire i brani in maniera sempre coerente, mettendo in mostra tecnica e duttilità stilistica. Band che sa farsi valere nei passaggi dove c’è da accelerare, ma anche nei molti chiaroscuri previsti dal songbook della Donà. Libro nel quale sono entrati, per diritto acquisito sul campo, diversi brani tratti da ‘Torno a casa a piedi’. Leggi ‘In un soffio’, o anche ‘Miracoli’, che la gente può e deve fare in un periodo di così grande difficoltà sociale. Sono tempi nei quali bisogna tenere duro, come in una gara di ‘Triathlon’, cantata alla fine di un concerto molto emozionante, nel quale è arrivata, scusandosi, con la voce in riserva per ‘Universo’, cantata quasi completamente dal pubblico, alla quale ha legato un brandello di ‘Across the Universe’. Da brividi. Scorrono in fretta le due ore al Piper. Nel finale, qualche sorpresa, dal momento che la band, su un pattern di 4/4, sa infilare qualsiasi pezzo. E così ecco ‘Heart of glass’ (Blondie), interpretata in maniera magistrale, e da dietro le quinte spunta fuori anche Jose Ramon Caravallo per un solo di tromba che addiziona motivi per emozionarsi. Emozioni sincere, un po’ di seta, soprattutto per i molti reduci da un Primo maggio in Piazza San Giovanni pieno di ortiche.

Live Footage: Plays Jay Dee

Plays Jay Dee è un disco inciso dai Live Footage in menomria del producer J. Dilla, che si risolve in otto cover strumentali che attraversano - con atteggiamenti vagamente jazzy - un percorso che spazia dall’hip hop, alla club music e all’elettronica pura e semplice. Il duo newyorkese, già in evidenza per il precedente full lenght Willow Be, fa leva sulle proprie attitudini stilistiche, tradotte in un approccio sempre originale grazie al violoncello di Topu Lyo che ben si amalgama, o entra in curiosi contrasti, con le impalcature ritmico/melodiche erette dal drummer e polistrumentista Mike Thies. In apertura di tracklist troviamo un paio di pezzi (Light Works e Think Twice) giocati su atmosfere leggere e ritmi medi dal sapore dub, che se ne restano in sottofondo senza lasciare un segno tangibile. Ma questo sembra il preludio per alcuni momenti di maggiore intensità espressiva, che possiamo individuare nel rifacimento di Got Till It’s Gone (Janet Jackson) e nelle trame di violoncello contenute in una ammaliante Didn’t Cha Know (Erykah Badu). Chiudono il cerchio, di un lavoro nel suo complesso apprezzabile, la dance oriented Runnin’ (The Pharcyde) e la sorniona So Far To Go, che forse meglio di altre fotografa l’idea e il modo di plasmare musica che era proprio di J. Dilla.

M+A: Remixes.Yes

Quattro remix e una cover di M.I.A. compongono Remixes.Yes, lavoro firmato da M+A, il duo formato da Michele Ducci e Alessandro Degli Angioli che aveva destato interesse, dividendo le opinioni di critici e platee, con il precedente Things.Yes, anch’esso edito da Monotreme. Si tratta di brani manipolati puntando a ottenere un discorso coerente, che fila in modo lineare dalle atmosfere ovattate di Here.Now.Here (Nedry) a quelle leggermente più insidiose di Takes Me Back (Emay), passando per le melodie distese che segnano Tangents (Polinski). Stesso discorso per il brano dei Joycut preso in considerazione: Garden Grey è giocato su ritmi lenti e sonorità delicate, in una sorta di andamento che procede senza far troppo chiasso e mai propenso agli stravolgimenti radicali. Poco aggiunge la rivisitazione di Paper Planes, come del resto l’intero Remixes.Yes non molto altro ci dice su M+A, ragazzi in grado di sviluppare una buona concezione sia del remix che della costruzione del brano in sé, ma prima di gridare al miracolo ci attendiamo prove più concrete.

Francesco Negro Trio: Silentium

Francesco Negro inizia a farsi grande. Dopo l’ottimo Abbagli, il pianista leccese dà ulteriore prova di maturità espressiva e formale in Silentium, album licenziato da Alfa Music, dove lo ascoltiamo alla guida di un trio completato da Igor Legari al contrabbasso e Ermanno Baron alla batteria. Si tratta di dieci brani – la maggior parte dei quali composti dal leader – che sono il frutto di lunghe sessioni di prove nel silenzio della campagna salentina. E deve essere stata proprio quell’atmosfera a dare lo spunto creativo per Silentium ed a trasmettere ai brani il loro andamento così naturale, fatto di melodie semplici, che si intrecciano con grande coesione. Unità di intenti che si riscontra anche nell’interplay del trio, nel quale si avverte un patto non scritto di eguali diritti e spazi espressivi, per un insieme che si muove in maniera fluida e concreta. Tra le cose migliori va segnalata la sobrietà di Koala, brano firmato da Legari, dove il pianismo gentile di Negro viene messo in splendido risalto dalla sezione ritmica, discreta, sensibile, perfettamente in grado di procedere in maniera decisa e senza invadere troppo la scena. Un paio di improvvisazioni collettive – tra le quali Secondo Frammento ci è sembrata quella più intrigante - rendono ancor meglio l’idea di spontaneità creativa di questo trio, che sposta il discorso da scenari fragili, fatti di poche note, come l’intro de La finestra sul cortile, a quelli ritmicamente più ricchi e colorati de La mia Africa. Registrato in maniera cristallina, Silentium accompagna l’ascoltatore per oltre un’ora di durata senza cali di tensione, rilasciando costantemente la sensazione di originalità e forza comunicativa. Notevole.

Gian Piero Alloisio: Ogni vita è grande

Gian Piero Allosio riversa in Ogni vita è grande la sua caratura cantautorale, forgiata attraverso un lungo percorso che lo ha visto protagonista in diversi ambiti culturali, dal teatro-canzone alle collaborazioni con alcuni dei monumenti della musica italiana, come Giorgio Gaber e Francesco Guccini. Quelli contenuti in questo lavoro sono episodi che raccolgono il meglio della sua produzione con l’aggiunta di alcuni brani inediti di Umberto Bindi, in una sorta di testamento artistico a dieci anni dalla sua scomparsa. Assistiamo dunque a un’opera dal grande spessore artistico, caratterizzata da un modo di intendere la canzone del tutto lontano dalle soluzioni semplicistiche, dalle faccende che mirano al facile consenso. Alloisio riesce a trattare con leggerezza temi dalla grande portata come la tossicodipenza (King), e con sottile ironia riesce a mettere in mostra i vizi formali della nostra società (Italia ti vorrei salvare). Punta il dito verso la classe politica e sfiora l’estrema trattano toccando argomenti di discriminzione, opportunismo e precarietà. Il Paese delle cose che non sono e non saranno è uno degli inediti di Bindi, che contribuiscono a rendere il tutto ancora più affascinante e carico di significati, in particolar modo grazie alla splendida La Parte migliore, scritta con la collaborazione di Maurizio Maggiani. Ogni vita è grande è un disco che parla alla gente, con semplicità mista a classe intrinseca, che accompagna un ascolto disinvolto, ma che riesce nel contempo a far riflettere, a emozionare senza far chiasso. Buon gusto applicato con coerenza.

Nicolò Carnesi: Gli eroi non escono il sabato

Gli eroi non escono il sabato è il disco d’esordio di Nicolò Carnesi, giovane cantautore capace di coniugare leggerezza formale e profondità espressiva, in un album che presenta diversi motivi d’interesse. Le undici canzoni contenute lo vedono percorrere in buona scioltezza sia la via del cantautorato pop di Forma Mentis, brano dalle sonorità aperte e solari, ma anche quella dall’andamento più rock oriented di Medusa, senza tralasciare la sorta di new wave che alberga nelle trame di Kinder cereali all’amianto. Carnesi mette in mostra una solida ricercatezza nei testi, frutto probabilmente di ascolti ispirati, capaci di modellarsi su uno sfondo sonoro che trova una piacevole alternanza di atmosfere anche grazie a passaggi più tranquilli, come in Penelope, spara!, nella quale affiora una velata malinconia. L’album fa leva su ritornelli di facile assimilazione, anche se non scadono mai nella banalità, anche quando a farla da padrone è la spesieratezza, come in Divento ingegnere. A impreziosire questo debutto interviene Dario Brunori, voce in Mi sono perso a Zanzibar, in un contesto che ingloba anche qualche episodio dal sapore dance, come nella conclusiva Mr. Robinson dal sapore vagamente depechemodiano. Meritevole d’attenzione.

Le Case del Futuro: Lucertole

Lucertole è il debutto sulla lunga distanza de Le Case del Futuro, giovane band dall’attitudine rock indie, nata nel 2007 in quel di Brescia e con all’attivo l’ep omonimo di un paio d’anni fa. Le dieci tracce sono stipate in poco più di mezzora e alternano momenti di facile fruizione, come in Miranda, ad alcune situazioni leggermente più intrigate e coinvolgenti, come quelle dell’iniziale Uragani. Qualche passaggio lascia intravedere una buona vena cantautorale e nel complesso si tratta di un esordio con delle potenzialità, anche se non è ben chiara la via che i nostri intendono percorrere. Da una parte sembrano voler battere un territorio prossimo al pop radio friendly, come si evince in Division, dall’altra si evince la possibilità è la voglia di smarcarsi da una certa consuetudine, mettendo a reagire un rock più deciso e penetrante. È chiaro che molte cose sono da mettere a punto per voler tentare l’esatta coniugazione del loro verbo espressivo; per il momento annotiamo sul nostro taccuino le riuscite Brucia Parigi, per la tensione che riesce a sviluppare in meno di tre minuti, e la successiva Momento, pervasa da una dose di psichedelia che non guasta, anzi. Da rivedere.

Cristina Donà: a Roma, Piper Club, il 3 maggio

Il 3 maggio arriva al Piper club di Roma una delle voci femminili più note e apprezzate d’Italia, quella di Cristina Donà, che porta sul palco dello storico locale romano la tranche invernale di “Torno a casa a piedi tour”. Il tour che vede protagonista l’album omonimo “Torno a casa piedi” (EMI) - premiato dal pubblico e dalla critica con grandi apprezzamenti - torna a Roma con una versione più intima e raccolta, in grado di evocare atmosfere calde e coinvolgenti. “Torno a casa a piedi” diventa un tour-manifesto in cui le nuove canzoni si alternano ai classici, e negli arrangiamenti trovano spazio sonorità rock e ballate struggenti, creando una fusione di stili che ha fatto di Cristina Donà un punto di riferimento della musica d'autore. Per questa unica data romana al Piper il 3 maggio, Cristina proporrà al suo pubblico un nuovo mix di ingredienti. Le performance ariose, colorate e intense e l'accompagnamento di una band di alto livello seguiranno infatti le indicazioni di un album che, come riporta la critica, “celebra la vita attraverso piccole istantanee”. Una data importante per un’artista come Cristina Donà per cui il palco è sempre stato motore del percorso artistico. Mai come ora, la passione e l’esperienza di 20 anni dedicati alla musica, trovano una sintesi nell’impatto e nella confidenza acquisita dopo centinaia di concerti. L’appuntamento romano con l’icona della canzone d’autore femminile è al Piper Club, Via Tagliamento 9, il 3 maggio 2012. Per info: www.2pier.it Ufficio stampa: Marta Volterra, marta.volterra@gmail.com Tel.:340.9690012

White Rabbits: Milk Famous

Per i White Rabbits si tratta del terzo lavoro sulla distanza che conta. Se i precedenti Fort Nughtly (2007) – per l’esotismo dal sapore new wave - e It’s Frightening (2009) – per la sua energia percussiva dal passo maggiormente rock - avevano ottenuto una buona dose di consensi da parte di critica e pubblico pagante, Milk Famous è destinato a dividere opinioni e stati d’animo. Questo perché neel’interezza del cammino finora intrapreso sembra essere il primo concreto tentativo di smarcarsi dai riferimenti del passato, leggi Specials su tutti.

Le undici tracce proposte presentano diversi motivi di interesse e altrettanti passaggi che lasciano a desiderare sotto il profilo della ricerca espressiva, proprio lì dove la band - che oggi si muove nalla scena indie-rock di Brooklyn, vale a dire in quel sottobosco di ibridazioni di varia natura, - aveva costruito la propria impalcatura di credibilità. Il riferimento va a brani come I’m Not Me, che rilasciano un pop privo del giusto appeal, pronto nel deragliare alla prima curva di un ritornello cantilenante che denuncia una certa mancanza di inventiva, o come nella successiva Hold It To the Fire dove si avverte l’eccessiva leggerezza nelle trame melodiche, tendenzialmente shoegaze, e nella struttura ritmica di un brano fin troppo vago nelle sue intenzioni.

L’antifona cambia in altri passaggi, meglio messi a fuoco, come Temporary, perché la band incanala le sue forze in maniera fruttuosa, investendo in suoni dal taglio più aggressivo, che delineano un andamento ai confini della ballabilità, che non guasta e cattura l’attenzione dell’ascoltatore di turno, grazie a un tiro che non lascia spazio alle facili distrazioni. Stesso discorso per Danny Come Inside, pezzo cortocircuitale e ossessivo dalle venature electro, capace di spiazzare e coinvolgere, come del resto Back For More, che rispetto agli altri brani del lotto lascia emergere echi vagamente calypso e un songwriting di buona levatura.

Senza rivelare nessuna invenzione tangibile, i White Rabbits – guidati in una fin troppo eccessiva fase di produzione da Mike McCarthy - mescolano e innestano nel loro modo una discreta serie di idee, anche se Milk Famous si appiattisce troppo spesso verso un orizzonte pop incolore e non riesce a tenere la giusta tensione per la sua intera durata.

[Alessandra Gismondi]

le figurine di PopOn: #1

Nei giorni in cui l’Italia musicale si interrogava sulle acconciature di Anna Tatangelo al Festival di Sanremo, noi raggiungevamo telefonicamente Alessandra Gismondi, cantante e principale artefice del progetto Pitch – con il quale ha da poco dato alla luce l’intrigante Comme un flux – e protagonista del sottobosco indie anche con Vessel (trio completato da Emanuele Reverberi e Corrado Nuccini dei Giardini di Mirò) e Schonwald (insieme a Luca Bandini). Il suo è il punto di vista di chi la scena, anziché subirla, la fa.

Comme un flux è il titolo del nuovo album dei Pitch. Fa riferimento al modo in cui sono state composte le canzoni? Sì, il titolo è ispirato al flusso della musica, delle parole e anche della danza, in quanto ho studiato danza per tantissimi anni e quindi cercavo qualcosa che riassumesse un po’ tutto il mio percorso, il mio excursus artistico sia musicale che come ballerina.

Che gestazione ha avuto questo nuovo disco? Questo per noi è il quarto album, ed è l’unico che abbiamo creato esclusivamente in studio. Siamo partiti da un canovaccio di canzoni di note abbozzate. Avevamo circa un mese per registrare il disco, ed è stato creato passo dopo passo all’interno dello studio, in un modo diverso rispetto al passato. La fotografia, che è un'altra forma d'arte che mi appassiona, ha influito nella nascita della canzoni: l’anno scorso ho collaborato con Paolo Zauli alla stesura delle didascalie per il suo libro fotografico, questo probabilmente ha sviluppato in me la voglia di avvicinarmi alla fotografia attraverso la musica.

Anche rispetto ai precedenti dischi, questa volta con quali aspettative avete lavorato? Ad essere sincera ce ne sono sempre. Il primo lavoro (Bambina atomica, 1997 ndr) è importantissimo perché è come presentarsi con un biglietto da visita a delle persone che non sanno nemmeno chi sei; il secondo (Velluto, 1999 ndr) è importante perché c’è l’ansia da prestazione, perché vuoi essere all’altezza del lavoro precedente, se è andato bene; il terzo (A Violent Dinner, 2007 ndr) per i Pitch ha rappresentato una specie di rinascita, in quanto c’è stato un rinnovo della line-up, siamo stati fermi sette anni perché di fatto il gruppo si era sciolto, quando ho deciso di riprendere in mano il progetto ho riformato una nuova band, c’era voglia di riproporsi in maniera diversa rispetto al passato. Comme un flux, infine, è l’album che raggiunge una maturità superiore rispetto alle precedenti prove, in quanto all’interno del gruppo ci conosciamo meglio, e come approccio risulta più fresco e più immediato.

Quali obiettivi vi siete prefissi? Sinceramente non ci siamo mai dati un obiettivo, perché le cose le viviamo alla giornata, anche se questa frase può sembrare un po’ un cliché. Forse un obiettivo è quello di suonare, fare un album e cercare di promuoverlo in modo da farlo conoscere a più persone possibile, fare concerti e arrivare a molta gente. Per me è importante il contatto diretto con le persone.

Quando componi i brani hai in mente il tipo di ascoltatore che andrai a raggiungere? Scrivo molto d’istinto, di getto. Il titolo stesso dell’album te lo dice “come un flusso”. Dentro di me è come se avessi un flusso che spero vada a toccare più persone possibili. Non ho un ascoltatore standard. La magia della musica è quella di riuscire a catturare le persone.

La vostra musica è accostabile al pop anglosassone, seppur utilizzate anche la lingua francese. E' vero che il vostro è un omaggio a Serge Gainsbourg. Sì, sono molto legata alle sue canzoni, fin da bambina, avendo avuto la fortuna di avere un padre che ascoltava tantissima musica italiana, inglese e francese, sono rimasta affascinata da Gainsbourg. Negli ultimi anni, anche con l’altro mio progetto Vessel, mi sono avvicinata alla sua canzone. Questo mi ha dato modo di liberare la mia vena da chansonnier francese.

I vostri esordi vi vedono nella scuderia Vox Pop di Manuel Agnelli a metà anni Novanta, da allora quali cambiamenti della scena indie potete raccontarci? Di base io vivo in Italia, anche se sono stata molto all’estero in questi ultimi dieci anni. Diciamo che è cambiata tanto, c’è stata una rivoluzione della scena cantautorale, molto radicata da come posso notare, però dal punto di vista indie-rock vedo uno stallo; confrontando sempre l’Italia con il resto del mondo chiaramente. Rispetto a un decennio fa si producono molti più dischi, è cambiato il tipo di fruizione, ci si dimentica in fretta di ciò che si ascolta. Il fatto di vendere materialmente meno cd ha contribuito a un certo appiattimento.

Proprio Manuel Agnelli, nel 2009, andando al Festival di Sanremo ha provato ad avvicinare l’indie al mainstream italiano. A conti fatti un tentativo fallito, sei d’accordo? Sì, sono totalmente d’accordo, non trovo che ci sia un filo conduttore che possa portare la musica di culto in quel conteso. Già nel 2000 mi fu proposto dalla mia casa discografica di partecipare al Festival e rifiutai perché sarei andata a snaturare una parte di me che non poteva far parte di Sanremo. La musica indipendente non può arrivare a Sanremo, perché lì è tutta una strategia di marketing.

Marketing e immagine prima ancora della musica in sé. Quest'anno si sono accesi dibattiti sull’acconciatura di Anna Tatangelo. Sono rimasta di stucco, non mi aspettavo una Tatangelo contro corrente. Le persone vogliono vedere l’Anna Tatangelo di sempre.

Tornando ai tuoi progetti, oltre ai Pitch fai parte dei Vessel. Andrà in porto l’idea di realizzare un album intero dal momento che avete solo fatto degli ep? Siamo rimasti un attimo fermi perché avevo in cantiere l’album dei Pitch. Stiamo ancora valutando su come verrà sviluppato il nostro percorso, nel senso che sicuramente andremo avanti a registarre nuove canzoni. Sul come verranno utilizzate siamo ancora in alto mare. Era un nostro desiderio realizzare una trilogia di ep e stampare un album, sarebbe stato perfetto, ma questo non dipende da me, ma dall’etichetta.

Nei Pitch emerge il tuo lato più cordiale, mentre in Schonwald tiri fuori quello più introverso, scuro. Sì, quando siamo in due con Luca - che fa parte anche dei Pitch - salta fuori una vena melodica un po’ più dark. Forse perché Luca ha origini tedesche, quindi nordiche, fredde. Lui è il capobanda di Schonwald, quindi io mi lego a lui e vado dietro alla sua creatività, ed esce fuori un’Alessandra più tenebrosa. Mentre nei Pitch i lavori partono da mie idee che sono più aperte e solari.

Dunque tre progetti da portare avanti non sono pochi, non avrai mica altre sorprese in cantiere? Il realtà sì, dal momento che farò parte del solo project di Hanin Elias, cantante e fondatrice di Atari Teenage Riot di Berlino, band storica di metà anni Novanta punk-industrial. Lei ha lasciato la band che si è da poco riunita per un tour mondiale e ha inciso un disco solista. Io sarò la sua bassista per le date del tour dal vivo.