Il Boom Collective capitanato da Gaetano Partipilo dà alle stampe attraverso la mai scontata Auand di Marco Valente, e con il supporto di Puglia Sounds, un lavoro che coinvolge quindici musicisti dalla decisa esplosività creativa. L’idea, che poi trova tangibili riscontri durante l’ascolto delle undici tracce, è quella di emanare un suono vario e credibile, che esplora sia situazioni riferibili alle big band, sia a passaggi dal maggiore appeal sperimentale, scuri e carichi di groove. Tanti gli interpreti di notevole valore espressivo, da Mirko Signorile a Fabrizio Savino, che il leader combina con sapienza e buon gusto estetico, mettendo insieme un pregevole ventaglio timbrico che include anche voci, Moog, elettronica e vibrafono.

Bravo Baboon: “Humanify” [Auand, 2019]

Under The Bridge dei Red Hot Chili Peppers è l’unica rivisitazione nella scaletta di originali che troviamo in “Humanify”, l’album firmato dal trio Bravo Baboon composto da Dario Giacovelli, basso elettrico e contrabbasso, Moreno Maugliani, batteria, e Gianluca Massetti, pianoforte e tastiere. Il loro è un campo sonoro aperto anche a soluzioni esterne, come quelle degli ospiti Carolina Bubbico, Simone Alessandrini e Francesco Fratini, e nel quale confluiscono inserti sintetizzati, come effetti e voci preregistrate, su una tessitura acustica di pregio, capace di flettere tra momenti dalla forte impronta di cantabilità (Forget To Be Present), a situazioni più ruvide e sperimentali.

Pierpaolo Bisogno: “Love Secret” [Emme Record Label, 2019]

Si arricchisce degli ospiti Rocco Ziffarelli alla chitarra e Alfonso Deidda al fluato il quartetto capitanato dal vibrafonista Pierpaolo Bisogno e completato da Pietro Lussu al pianoforte, Francesco Galatro al contrabbasso e Marcello Di Leonardo alla batteria. Le tracce in scaletta, perlopiù originali firmate dal leader della sessione, emanano un profondo senso di eleganza estetica, che segna in maniera decisa temi inclini alla cantabilità melodica. Non mancano passaggi che esulano la linea mainstream che caratterizza l’album, come Mood Afrika, brano in cui predominano suoni e percussioni che rimandano l’immaginario verso le tipiche colorazioni timbriche del continente africano.

Giulio Stermieri Yabai Quartet: “Crops And Sports” [All Right Riserva Recordz, 2019]

Al fianco del tastierista Giulio Stermieri, per l’occasione, al Fender Rhodes troviamo il nuovo quartetto Yabai, completato da Giovanni Benvenuti al tenore, Martino De Franceschi al contrabbasso e Federico Negri alla batteria. Quello che i quattro sviluppano nelle sette tracce di “Crops And Sports” – tutte firmate dal leader - è un suono attraversato da una sottile, quanto percepibile, tensione creativa, che va individuata negli accostamenti timbrici, nell’abbinamento di sonorità acustiche ed elettriche, e nelle forme, spesso in divenire, degli scenari sonori. Nell’insieme si tratta di un lavoro curato nel dettaglio e che non manca di creatività e sperimentazione.

Peppe Santangelo Nu Quartet: “My Name Is” [Alessio Brocca Edizioni Musicali, 2019]

Si completa con Gabriele Orsi (chitarra), Yazan Greselin (organo Hammond e tastiere) e Francesco Di Lenge (batteria) il Nu Quartet assemblato dal sassofonista Peppe Santangelo, che in “My Name Is” mette in fila una scaletta di nove brani originali, ognuno dei quali - come i titoli lasciano intendere, vedi John, Dexter o Sonny - è dedicato a un musicista simbolo del Jazz. Figure che hanno ispirato Santangelo nel produrre un sound denso e ben messo a fuoco, sia dal punto di vista puramente timbrico sia espressivo. Oltre al tenore del leader risulta centrale negli sviluppi estetici dell’album l’Hammond manovrato da Greselin, per un insieme che trasuda interplay, tra hard bop e venature funk.

Stefano Travaglini – Massimiliano Coclite: “The Long Line” [Odardek, 2019]

L’incontro tra i due pianisti Stefano Travaglini e Massimiliano Coclite genera un lavoro dalla profonda ispirazione estetica, espressiva e formale. La loro linea di continuità si sviluppa in una scaletta di dodici tracce, dove rimangono centrali il reciproco ascolto e l’intenzione di improvvisare temi coerenti e liberi da logiche preconcette, se non quelle di girare attorno a temi di grandi classici, come nella reinterpretazione di Body And Soul. Ne scaturisce un insieme dove i due protagonisti si rincorrono, si scontrano o si uniscono in un continuo cambio di prospettiva e di genere.

Giusy Consoli: “So This Is Love - A Tribute to Billy Strayhorn” [Splasc(h) Records, 2019]

Prodotto da Luigi Naro per Splasc(h) Records “So This Is Love - A Tribute to Billy Strayhorn” è il primo album della cantante Giusy Consoli, per l’occasione affiancata da cinque musicisti di valore assoluto (Michele Franzini: pianoforte; Massimo Vescovi: chitarra; Alex Orciari: contrabbasso; Rudi Manzoli: sax; Roberto Paglieri: batteria). Come il titolo lascia intendere si tratta di un omaggio al repertorio di Billy Strayhorn, del quel vengono rilette pagine di immortale fascino, come Chelsea Bridge o Lush Life. Si ascoltano ambientazioni mainstream, tipiche del jazz vocale, nelle quali la figura di Giusy Consoli si rivela centrale nelle estetiche e nell’espressività proposta.

Giancarlo Tossani: “Strange Spy” [Auand, 2019]

«[…] Lavoro di solito con buoni partner umani e qui invece con un partner che non ha un volto umano ma estremamente servizievole e compiacente». Si riferisce al computer, e alla strumentazione elettronica in genere, il pianista Giancarlo Tossani che nel suo lavoro “Strange Spy” mette insieme quattordici tracce in solo. Ne deriva un album dal piglio sperimentale, con passaggi accennati, situazioni compiute e momenti di estrema visionarietà. Tossani lavora addizionando suoni sintetici alle sue linee pianistiche, capaci di prendere direzioni spiazzanti e vivere attraverso una tensione estetica che si avverte per tutta la durata della performance.

Claudio Jr. De Rosa Jazz Quartet: “Forces” [Incipit Records, 2019]

“Forces” è il secondo lavoro firmato dal quartetto, di stanza in Olanda, guidato dal sassofonista partenopeo Claudio Jr. De Rosa, e completato da Xavi Torres al pianoforte, Mauro Cottone al contrabbasso e Augustas Baronas alla batteria. Nei nove brani in programma ascoltiamo un jazz pieno di vitalità, sì incentrato sul suono del leader, ma aperto alle iniziative dei singoli capaci di arricchire un movimento d’insieme cesellato con cura, compatto e carico di groove. Concretezza ed elementi puramente estetici per un equilibrio raggiunto attraverso la voglia di esporre un pensiero di positività e intraprendenza. La foto di copertina è di Roberto Cifarelli.

Ragotago: “-ismo” [Jasm Records, 2019]

Dietro la sigla Ragotago troviamo un affiatato quartetto composto dai fratelli Pepe e Pancho Ragonese, rispettivamente tromba e pianoforte (e in alcuni passaggi Fender Rhodes), da Ares Tavolazzi al contrabbasso e dal batterista Alfredo Golino. In scaletta si ascoltano otto originali, tutti firmati dai Ragonese, nei quali si apprezza un sound di matrice mainstream, dove le “voci” soliste di tromba e pianoforte conducono temi sempre cantabili. La conclusiva Che belli noi, cantata da Pepe Ragonese, vira l’atmosfera verso un elegante cantautorato in un album dove regnano buon gusto compositivo e attenzione dei particolari.

Simone Graziano Frontal: “Sexuality” [Auand, 2019]

Il nuovo lavoro che Simone Graziano firma insieme al quintetto Frontal vede l’ingresso in line up del chitarrista Reiner Baas, in luogo del sassofonista David Binney, e segna un deciso cambio di direzione rispetto al precedente “Trentacinque” (Auand, 2015). Del resto lo stesso Graziano, in un’intervista rilasciata alla rivista Jazzit, aveva anticipato che: «[…] Saranno tracce totalmente diverse da quello che abbiamo prodotto finora, per una musica dai tratti melodici molto marcati». Quello che si ascolta è un lavoro dalla forte impronta di contemporaneità, pronto al cambio di direzione espressiva, dove l’elemento estetico è trattato con visioni aperte, e nel quale intervengono diverse “voci”, come il tenore di Dan Kinzelman, la duttilità pianistica del leader e la flessibilità ritmica di Stefano Tamborrino alla batteria e Gabriele Evangelista al contrabbasso.

Antonio Fresa: “Piano verticale” [The Writing Room, 2019]

Con “Piano verticale” Antonio Fresa intende dare il via a una trilogia tematica, e formale, dedicata al pianoforte, strumento attraverso il quale esprime la propria arte e il suo modo di intendere la comunicazione. Spesso associato alla musica da film, il pianista partenopeo realizza un album dove l’elemento visuale, scaturito da un pianismo incentrato sulla cantabilità melodica e sulla costruzione di “orizzonti espressivi”, risulta essere elemento centrale, necessario e vitale in ognuna delle otto tracce in scaletta. Diverse sono le forme proposte: dal piano solo al duo con la tromba di Luca Aquino, dalle interazioni con gli archi agli interventi di vibrafono, percussioni e fiati.

Giovanni Guidi: “Avec le temps” [ECM, 2019]

In questa nuova uscita per ECM Giovanni Guidi si avvale della collaborazione di Francesco Bearzatti (sax) e Roberto Cecchetto (chitarra), due “voci soliste” che vanno ad arricchire le linee formali messe dei consueti compagni di viaggio Thomas Morgan (contrabbasso) e João Lobo (batteria). Guidi realizza un album dal profondo valore estetico, emozionale ed espressivo. Il suo è un pianismo capace di lambire vette di estrema cantabilità melodica, come nell’iniziale Avec le temps, il brano di Léo Ferré reinterpretato in trio con misura e grazia, o di contribuire a una sottile, quanto tangibile, tensione espressiva. La conclusiva Tomasz è una sentita dedica alla figura, venuta a mancare lo scorso anno, di Tomasz Stanko. 

   

►Michel Reis: “Short Stories” [CAM Jazz, 2019]

È un percorso di quattordici brani quello che il pianista lussemburghese Michel Reis mette insieme nel suo “Short Stories”, l’album in solo che pubblica per la CAM Jazz di Ermanno Basso. Si tratta di un lavoro capace di emanare profonde sensazioni di intimità espressiva, tradotta in brani misurati e raccolti attorno a una forte idea di essenzialità. Il pianismo di Reis non conosce né addizioni fuori luogo né passaggi privi di significati, in un album dove si intersecano l’eleganza e la pulizia del suo background classico con le curvature jazzistiche.

David Torn, Tim Berne, Ches Smith: “Sun Of Goldfinger” [ECM, 2019]

Si compone di tre lunghe tracce, ognuna oltre i venti minuti di durata, “Sun Of Goldfinger”, l’album che vede protagonisti David Torn (chitarra, effetti), Tim Berne (alto), Ches Smith (percussioni, elettronica), edito dalla ECM di Manfred Eicher. Si tratta di una maglia sonora tessuta attraverso un piglio di spontanea improvvisazione, nella quale confluiscono suoni di diversa matrice, addizioni timbriche (archi, elettronica), tangenti estetiche e continue interazioni. Ne derivano scenari dai colori a tinte forti, saturi e aggrovigliati, capaci anche di piegarsi verso momenti al limite della rarefazione, scura e sinistra, come nella parte centrale di Spartan, Before It Hit.

►Fabio Giachino: “At The Edges Of The Horizon” [CAM Jazz, 2019]

Seppur compatto nella sua idea d’insieme “At The Edges Of The Horizon” si rivela come un album dalla doppia personalità espressiva: da un lato troviamo il piano trio capitanato da Fabio Giachino, e completato da Davide Liberti al contrabbasso e Ruben Bellavia alla batteria, sempre elegante, misurato e calibrato in ogni movenza; dall’altro si ascolta il trio arricchito dalla sezione fiati, composta da alto, tenore, clarinetto basso, tromba e trombone, che frantuma ogni incasellamento di genere. Giachino dirige avvalendosi di un pianismo flessibile, guizzante, ritmico, chiaroscurale o lucente a seconda della situazione, arricchendo ulteriormente l’orizzonte estetico con innesti di sonorità elettroniche.

►Ben Van Gelder – Reiner Baas: “Mokum in Hi-Fi” [Doyoumind? Records, 2019]

È un duo molto interessante quello composto da Ben Van Gelder, alto, e Reiner Baas, chitarra elettrica, sia dal punto di vista prettamente formale, e timbrico, sia per la decisa, quanto rodata in diverse live performance, dinamica creativa. Le otto tracce originali del loro “Mokum in Hi-Fi” prendono spesso vita da elementi sparsi, quasi accennati, capaci poi di farsi melodia concreta, dalla lineare cantabilità e dal respiro estetico sempre ampio e profondo. Giovani musicisti in grado di creare una musica matura e dal carattere ben definito.

Bologna Jazz Festival 2019: Intervista a Francesco Bettini

In programma dal 25 ottobre al 26 novembre anche quest’anno il Bologna Jazz Festival si presenta come uno degli appuntamenti più rilevanti a livello internazionale. Nel calendario, pensato con date anche a Ferrara, Modena e Forlì, spiccano i nomi degli headliner: Pat Metheny, Dianne Reeves, Cross Currents Trio, Fred Hersch ed Hermeto Pascoal. Ne abbiamo parlato con il direttore artistico Francesco Bettini
 

C’è un filo logico o un motivo che unisce le molte proposte in programma? Essendo il Festival una rete di collaborazioni con un’infinità di soggetti è praticamente impossibile individuare un unico percorso tematico. Si cerca di assecondare l’orientamento artistico dei singoli partner pervenendo a un’offerta il più possibile variegata che rappresenti al meglio l’attualità jazzistica internazionale. Per quanto riguarda le sole produzioni dirette dell’associazione capofila del festival, si è cercato in passato di dare linee guida al programma. Per esempio la scorsa edizione è stata dedicata ai larghi organici orchestrali e agli arrangiatori. Tuttavia quest’anno non si è optato per una proposta specifica.

Tra i tanti nomi importanti che presenta in cartellone qual è quello che maggiormente attendi di vedere e perché? Difficile individuare un singolo progetto, direi comunque sul piano puramente personale che tra tutti non avendolo mai goduto dal vivo, attendo con interesse di ascoltare il trio di Fred Hersch. Si tratta oltretutto del più classicamente jazz dei concerti principali del palinsesto e di un nome poco noto ai più, che potrebbe sorprendere positivamente il pubblico.

Qual è la chiave per attrarre pubblico nuovo verso il jazz? Le strade sono molteplici, ma è fondamentale la formazione. Da quasi dieci anni lavoriamo con il Liceo musicale e il Conservatorio di Bologna e più di recente abbiamo esteso la nostra sfera d'azione anche ai più giovani. Collaboriamo inoltre anche con il Museo della musica e siamo promotori di convegni musicologici e giornalistici. Oltre al lato didattico agevoliamo la fruizione degli under 30 con biglietti sensibilmente scontati e collaboriamo con locali attivi sul territorio che propongono jazz dal vivo ad una clientela di ventenni e trentenni.

Il festival non si svolgerà solo a Bologna, ma anche in altre sedi a Ferrara, Modena e Forlì. Come avete organizzato questa fitta rete di appuntamenti? Ferrara è partner storico del festival, fin dalla seconda edizione e il primo direttore artistico del BJF 2006 era Alberto Alberti, punto di riferimento anche della programmazione del Jazz Club Ferrara. Quindi la collaborazioni tra le due città e le rispettive associazioni era inevitabile. Modena si è avvicinata successivamente mentre Forlì è per la prima volta presente quest’anno. Questi e altri partner della Città Metropolitana hanno tutti, per differenti ragioni, affinità con lo scopo sociale della nostra associazione e collaborare quando l’obiettivo è comune risulta piuttosto semplice e immediato. Ci vuole solo tempo per coordinarci ed evitare sovrapposizioni di artisti e di date, ma come dicevo prima, lasciamo ampia libertà di scelta a tutti i partner, considerando la diversità un valore aggiunto.

Come è nata la collaborazione con Altan per la realizzazione della locandina? Dall’esperienza in materia di illustrazione di un altro nostro partner storico, BilBOlbul, il festival internazionale del fumetto che inizia ogni anno quando si conclude il Bologna Jazz Festival. Un passaggio di testimone che avviene sempre attraverso l’immagine coordinata che ogni anno viene affidata a un artista scelto da entrambi i soggetti.

Vi siete posti un obiettivo da raggiungere? L’obiettivo principale è quello di resistere facendo in modo che il bilancio annuale ci tenga a galla per proseguire nel tempo. Fin ora siamo stati bravi perché il programma cresce progressivamente, sia in termini di numeri che di qualità e siamo arrivati al quattordicesimo anno di attività continuativa.

Al termine del festival quale commento ti piacerebbe sentire? “E adesso dove si può andare ad ascoltare qualcos’altro?”. Dopo una scorpacciata di concerti di oltre un mese non dimentichiamo che il Torrione di Ferrara, la Cantina Bentivoglio, il Bravo o il nuovo Camera Jazz Club di Bologna, vanno avanti. Sono i luoghi dove tutto l’anno la programmazione continua a proporre concerti di livello. Il festival è importante, ma non si esaurisce tutto lì. Per esempio subito dopo il festival al solo Jazz Club Ferrara c’è una sequenza concertistica favolosa: The Bad Plus, Chris Potter Circuits, Enrico Rava Special Edition, solo per citarne alcuni.

Dal momento che sei da diversi anni anche il direttore artistico del Jazz Club Ferrara sapresti illustrarci come è cambiato nel tempo il modo di intendere la tua professione?
Quando inizi sei più incosciente, tutto viaggia sulle ali dell’entusiasmo e molto spesso si improvvisa. Mano a mano che si acquisisce esperienza, certi aspetti si automatizzano e non si gira più a vuoto. Tuttavia più ci si professionalizza, più si viene a conoscenza delle criticità di ogni singola fase della produzione e questo genera un mole di lavoro che agli inizi era inimmaginabile. Sul piano più specificamente artistico, in oltre vent’anni di attività, a forza di ascoltare concerti e frequentare artisti, il panorama percettivo si spalanca progressivamente, uscendo dai confini in cui inizialmente si percepiva circoscritto. Si inizia in pratica ad apprezzare linguaggi che prima non si conoscevano o non si comprendevano.

Tutte le info su BJF 2019:  https://www.bolognajazzfestival.com/

Fabrizio Bai Trio: “Comunque sia…” [Dodicilune, 2019]

Ad affiancare il chitarrista Fabrizio Bai nel suo “Comunque sia…” troviamo Raffaele Toninelli al contrabbasso ed Emanuele Pellegrini alla batteria. Si tratta di un trio affiatato e attivo da diverso tempo, che rilascia un album sviluppato nelle sette tracce originali del leader, nelle quali echeggiano sonorità latine e mediterranee, arricchite da timbri di diversa natura, come, per esempio,  l’utilizzo della kalimba e di varie percussioni. Le sette corde della chitarra classica di Bai mantengono una costante tensione nei primi piani espressivi, e producono una profonda cantabilità in tematiche che, se ascoltate nel loro insieme, disegnano un percorso dal forte appeal. La foto di copertina è firmata da Slava Gerj.

Francesco Bearzatti – Benjamin Moussay – Roberto Gatto: “Dear John” [CAM Jazz, 2019]

Registrato dal vivo a Prepotto presso l’azienda vinicola Le Due Terre “Dear John” è un omaggio sentito che Francesco Bearzatti, Benjamin Moussay e Roberto Gatto rivolgono alla figura di John Coltrane. A parte il tradizionale One Love e alla rilettura di Dear Lord il resto del programma prevede solo originali firmati da Bearzatti, il quale mette in evidenza le qualità timbriche ed espressive del suo tenore, spesso vertice stilistico del trio. L’album non è il classico lavoro di rivisitazione del repertorio, ma si presenta come fosse un inno alla spiritualità, alla sensibilità e alla profonda consapevolezza artistica di Coltrane.

Régis Huby – Guillaume Roy – Atsushi Sakaï: “Improvisation” [CAM Jazz, 2019]

Régis Huby, Guillaume Roy e Atsushi Sakaï, rispettivamente violino, viola e violoncello, realizzano un lavoro basato sull’improvvisazione, per due lunghi movimenti registrati dal vivo presso l’azienda vinicola Gravner di Oslavia. Ne derivano sonorità spesso dure, aggrovigliate e piene di passaggi dal carattere sinistro e spettrale. Ognuno dei protagonisti è chiamato a direzionare il flusso di idee, e istinti, che trascinano l’ascoltatore verso scenari allucinati e mai prevedibili. Nell’insieme non mancano brevi parentesi cameristiche, dove si ha l’impressione di apparente tregua, pronta da un momento all’altro a volgere in tempesta. La foto di copertina è firmata da Elisa Caldana. 

Huw Warren – Mark Lockheart: “New Day” [CAM Jazz, 2019]

Huw Warren al pianoforte e Mark Lockheart ai sassofoni, tenore e soprano, disegnano un percorso di otto brani, registrati dal vivo presso l’azienda vinicola Livio Felluga, che trovano il loro motivo di maggiore interesse nella cantabilità melodica dei temi. “New Day” è un lavoro capace di catturare l’attenzione di chi ascolta grazie alla grande empatia tra i due protagonisti, dalla quale sgorga un continuo rimando di idee, sviluppate attorno a un compatto impasto timbrico. Per tutta la ripresa di avverte un velato senso di malinconia e introspezione, anche se non mancano passaggi dal piglio più guizzante e festoso, come avviene in Clec, uno dei cinque originali firmati da Warren.

Mirko Cisilino: “Effetto carsico” [Auand, 2019]

Per il suo debutto nelle vesti di leader il trombettista Mirko Cisilino si avvale di una line up completata da Filippo Orefice (tenore), Beppe Scardino (baritono), Marzio Tomada (basso elettrico) e Marco D’Orlando (batteria). Ne deriva un album dal carattere timbrico, ed estetico, da un lato votato alla cantabilità melodica dei temi proposti, e dall’altro capace di creare la giusta tensione espressiva. Cisilino mette in programma quattordici brani originali, in meno di quaranta minuti, in un percorso che trova sia chiavi di lettura nel singolo passaggio sia in un insieme nel quale si intercettano anche sensazioni bandistiche e spigolature rock oriented.

Enrico Degani: “In Between” [Honolulu Records, 2019]

Per il suo “In Between” il chitarrista Enrico Degani affida un largo spazio espressivo alla voce di Diana Tarto, e si avvale della presenza del percussionista Michele Rabbia per spostare gli equilibri formali ed estetici verso una misurata sperimentazione. Degani applica uno studio di accordature per quarti di tono nelle tracce proposte, in un percorso dove si intersecano sonorità di chitarra classica, chitarra preparata, percussioni ed elettronica. Ne deriva una tessitura pregiata, dalla sfuggente classificazione stilistica e dai molteplici spunti di interesse. 

Andrea Molinari: “51”, [Ropeadope Records, 2019]

Troviamo Camilla Battaglia, voce in quattro dei nove originali presenti in scaletta, tra gli ospiti del nuovo lavoro del chitarrista Andrea Molinari, per l’occasione in quartetto con Enrico Zanisi al pianoforte e tastiere, Matteo Bortone al contrabbasso ed Enrico Morello alla batteria. L’album emana un suono d’insieme in equilibrio tra la cantabilità dei temi – messi in evidenza dal prezioso pianismo di Zanisi - e una positiva tensione di interplay, in due brani intensificata dagli interventi del trombettista Alessandro Presti. Da segnalare nella title track la presenza della soprano Clementina Regina, per un passaggio immaginifico e inatteso.

Vittorio Solimene: “Urlo piano” [Auand, 2019]

A incrementare la “piano series” del catalogo Auand arriva “Urlo piano”, l’album che Vittorio Solimene – all’esordio nel ruolo di leader - firma in trio con Francesco Ponticelli al contrabbasso e Riccardo Gambatesa alla batteria. Classico assetto dunque, per un lavoro che il giovane pianista – già apprezzato in altri scenari all’organo Hammond - decide di aprire con la rilettura di El Gaucho di Wayne Shorter, brano che insieme a Quiet Now di Denny Zeitlin si inserisce in una serie di originali. Nell’insieme si ascolta un orizzonte sonoro caratterizzato da melodie cantabili e temi costruiti attorno al pianismo di Solimene, sempre ricco di spunti creativi e che non conosce “vuoti” espressivi.

Doctor 3: “Canto libero” [Via Veneto Jazz / Jando Music, 2019]

A distanza di cinque anni dal precedente album omonimo, i Doctor 3 tornano in sala di registrazione per incidere “Canto libero”, un lavoro completamente dedicato alla rivisitazione del repertorio firmato da Lucio Battisti e Mogol. Dieci brani, ai quali si aggiungono tre brevi parentesi di improvvisazione, nei quali Danilo Rea (pianoforte), Enzo Pietropaoli (contrabbasso) e Fabrizio Sferra (batteria) solcano le coordinate melodiche dei temi proposti senza stravolgerne l’essenza estetica, rendendole immediatamente riconoscibili e aggiungendo, con estrema misura, dei soggetti personali. L’album si rivela compatto ed emana un’equilibrata godibilità d’insieme.

Rosario Bonaccorso Quartet feat. Stefano Di Battista: “A New Home” [Via Veneto Jazz / Jando Music, 2019]

«La musica di questo nuovo cd rappresenta un omaggio alla vita, questo grande regalo che ci viene offerto di vivere […]». Con queste parole di profonda riflessione il contrabbassista e compositore Rosario Bonaccorso introduce l’album “A New Home”, che realizza con una line up di formidabile levatura espressiva, e tecnica, completata da Stefano Di Battista, alto e soprano, Fulvio Sigurtà, tromba e flicorno, Enrico Zanisi, pianoforte, e Alessandro Paternesi, batteria. In scaletta il leader propone undici suoi originali segnati da una spiccata cantabilità melodica, affidata spesso alle voci soliste di Sigurtà e Di Battista, e dal coinvolgente interplay tra gli interpreti, misurato o torrenzialie a seconda dello scenario tematico. 

Gabriele Mirabassi - Enrico Zanisi: “Chamber Songs” [CAM Jazz, 2019]

Gabriele Mirabassi (clarinetto) ed Enrico Zanisi (pianoforte) costruiscono un programma principalmente basato su brani del compositore tedesco Robert Schumann, e con l’inserimento di alcuni passaggi dalla diversa origine, come So In Love di Cole Porter. L'insieme vive in un’ambientazione misurata e cameristica, come il titolo dell’album lasciava intendere, con alcune parentesi dal piglio maggiormente fuori schema, dove il clarinetto di Mirabassi si rivela ora a favore della cantabilità dei temi, poi guizzante e imprevedibile. Notevole il solo di Mirabassi in Besame mucho, per la gioia dei presenti a questa ripresa dal vivo presso l’azienda vinicola Tonutti di Adegliacco. 

Filippo Vignato – Hank Roberts: “Ghost Dance” [CAM Jazz, 2019]

Registrato dal vivo presso l'azienda vinicola Le Vigne di Zamò di Rosazzo, “Ghost Dance” è il lavoro che intreccia i percorsi artistici di Filippo Vignato, trombone e live electronics, e Hank Roberts, violoncello, live electronics e voce. I due avevano in precedenza collaborato per l’uscita targata CAM Jazz “Pipe Dream”, del 2018, e in questo nuovo episodio prendono ispirazione dalla danza degli spiriti operata dagli indiani d’America sul finire dell’Ottocento per dare forma a un luogo musicale, costruito su nove tracce originali, dalla grande forza evocativa. Ne deriva un particolare impasto timbrico, dove si ascoltano melodie lineari e cantabili, passaggi cameristici e momenti spettrali.

Alberto La Neve: “Night Windows” [Manitu Records, 2019]

Per questo lavoro in solo, edito da Manitu Records, il sassofonista Alberto La Neve prende spunto dalla forza evocativa sprigionata dalle opere di Edward Hopper – come lui stesso descrive nella nota di copertina -, per un insieme composto da otto tracce originali. A prevalere è la forza melodica dei temi, costruita da La Neve con tenore e soprano e avvalendosi anche di effetti e loop machine. Ne consegue un lavoro strutturato, pensato nel dettaglio e arricchito dall’intervento vocale di Fabiana Dota ospite in Room Of Brooklyn, traccia che ben fotografa l’intenzione e il taglio estetico di un album dalla lucente espressività.

Raffaele Casarano – Mirko Signorile: “D’amour” [Parco della Musica Records, 2019]

Raffaele Casarano e Mirko Signorile mettono insieme una scaletta di otto brani reinterpretando passaggi dai repertori di grandi artisti francesi, come Charles Trenet, Edith Piaf e Charles Aznavour. Brani evergreen come La vie en rose che il duo, sassofono e pianoforte (Fender Rhodes in alcune tracce), legge con estrema sensibilità espressiva, senza stravolgerne temi e significati, per un insieme che emana cantabilità melodica e dialoghi fitti e ben congeniati. I protagonisti non mancano di mostrare la propria personalità attraverso slanci improvvisativi e aperture timbriche ampliate dall’utilizzo, misurato e mai fuori luogo, di effetti elettronici.

Serena Spedicato – Nicola Andrioli: “The Shining Of Things – dedicated to David Sylvian” [Dodicilune, 2019]

Come il titolo lascia intendere il lavoro firmato da Serena Spedicato (voce) e Nicola Andrioli (pianoforte) si basa sul repertorio di David Sylvian, dal quale sono rilette importanti pagine che ne hanno determinato la statura estetica ed espressiva. Tracce approcciate con estremo gusto ed intelligenza, dove si mantiene integra la cifra di sensibilità artistica di Sylvian, ma nelle quali gli interpreti – di una line up completata da Michele Rabbia (percussioni, elettronica) e Kalevi Louhivuori (tromba, flicorno, elettronica) – mettono in risalto la loro personalità e la loro levatura. Su terreni costruiti con accuratezza la voce di Spedicato mantiene i primi piani con eleganza. 

Rita Marcotulli – Israel Varela: “Yin And Yang” [CAM Jazz, 2019]

Quello che accomuna, più di ogni altro possibile aspetto, la levatura artistica di Rita Marcotulli e Israel Varela è la capacità di scavare profondi solchi di cantabilità melodica, come accade in ognuno dei temi proposti in questo “Yin And Yang”, l’album che la CAM Jazz pubblica per la Winery Series, i lavori registrati dal vivo presso prestigiose aziende vinicole. Batteria e pianoforte si fondono in un unico corpo espressivo, che raggiunge vette estetiche di grande sensibilità, come nella classica Koiné dove il pianismo elegante di Rita Marcotulli dialoga con le percussioni e anche con la voce di Israel Varela. 

Ajugada Quartet: “Hand Luggage” [Filibusta Records, 2019]

«“Hand Luggage” è un modo di viaggiare con il bagaglio leggero. La sensazione particolare che si ha durante i viaggi di grande libertà e di conoscenza quando ci ascoltiamo di più, osserviamo di più, sentiamo odori e vediamo colori con maggiore intensità». Con queste parole, rilasciate in una recente intervista, la pianista Gaia Possenti introduce l’album dell’Ajugada Quartet, formazione completata da Danielle Di Majo ai sassofoni e flauto, Giulia Salsone alla chitarra e Antonella Vitale alla voce. Sono parole che trovano riscontro durante la scaletta dei dieci brani proposti, dove i molti elementi timbrici non si sovrappongono mai, lasciando che la musica si sviluppi con il giusto respiro.

Greg Burk: “As A River” [Tonos Records, 2019]

“As A River” è un profondo momento in pianoforte solo di Greg Burk che, “come un fiume”, dà forma a una scaletta di quindici brani originali registrati in due sessioni in studio datate 2018. Il suo è un modo “pieno” di interpretare la performance in solo, nella quale si susseguono melodie dal netto senso di cantabilità, situazioni con sonorità più amare, quasi sofferte, spigolose, momenti sospesi tra silenzi e note singole, che rimandano a una sincera intimità. L’album delinea un passaggio artistico di Burk dalla straordinaria capacità espressiva e da una elegante, quanto concreta, cifra estetica. La foto di copertina è firmata Simon Bcc.

Maresuke Okamoto – Guy-Frank Pellerin – Eugenio Sanna: “OPS…!” [Setola di Maiale, 2019]

Dieci tracce basate sulla sperimentazione e sull’improvvisazione radicale vanno a formare la scaletta di “OPS…!”, l’album edito dalla mai scontata Setola di Maiale e firmato dal trio composto da Maresuke Okamoto, Guy-Frank Pellerin ed Eugenio Sanna. Il loro ventaglio espressivo include chitarra, fiati, violoncello, gong, voci, lamiere e palloncini, in un insieme multiforme nel quale si susseguono schegge di suoni, momenti di sinistri silenzi – tra avanguardia e minimalismo - e cortocircuiti timbrici. Ne deriva una performance di non immediata collocazione estetica, incoerente, distorta e piacevolmente deragliante.

              

Marisa Petraglia: “Unusual” [Emme Record Label, 2019]

«Se hai un’idea hai tutto». Marisa Petraglia cita Sonny Rollins nella nota di copertina del suo “Unusual”, l’album che la vede protagonista insieme ad Andrea Rea al pianoforte, Francesco Puglisi al contrabbasso, Adam Pache alla batteria, Pietro Conodorelli alla chitarra e Giovanni Amato alla tromba. Line up di valore assoluto, che determina un vasto perimetro entro il quale la voce della leader spazia in maniera fantasiosa, determinata e capace di rendere standard, vedi The Man I Love, e originali con garbo, eleganza ed estrema delicatezza espressiva. L’idea di Petraglia si riassume in una musicalità dal forte appeal, in equilibrio tra intimità e melodie cantabili. Applausi.

Emmanuel Losio Group: “Good News” [Emme Record Label, 2019]

Emerge un velato senso di malinconia nelle tracce di “Good News”, il secondo lavoro come leader firmato dal chitarrista argentino Emmanuel Losio che per l’occasione si avvale in line up della presenza di Filippo Bianchini al tenore, Simone Alessandrini al contralto e soprano, Riccardo Gola al contrabbasso e Fabio Sasso alla batteria. In programma si apprezzano nove brani firmati dal leader, sviluppati in meno di quaranta minuti, segnati dalla cantabilità di temi che mettono in risalto sia le capacità discorsive dei fiati sia la duttilità di Losio, ora segno creativo e vertice di espressività, poi ingranaggio basilare alla funzionalità d’insieme.

The Sycamore: “Seamless” [Emme Record Label, 2019]

“Seamless” è il risultato dell’intenso percorso artistico intrapreso dal collettivo di musicisti umbri The Sycamore dal 2015 a oggi. Si tratta di un album che ben fotografa i tratti creativi e il carattere leaderless dell’ensemble, che propone in line up un sestetto dalle diverse soluzioni timbriche; durante la scaletta di soli originali intervengono batteria, contrabbasso, chitarra elettrica, classica e acustica, sassofono soprano e tenore, clarinetto, clarinetto basso e trombone. Una serie ben amalgamata di spunti creativi per un sound di matrice orchestrale dove non mancano i momenti solisti - sia in introduzioni sia in scambi durante l’esposizione melodica - capaci di accentuare brani sempre cantabili.

Daniele Cordisco – Ben Paterson – Elio Coppola: “Only For The Moment” [Tosky Records, 2019]

Batteria, organo Hammond e chitarra sono i vertici timbrici entro i quali si muove l’organ trio composto da Daniele Cordisco, Elio Coppola e Ben Paterson, quest’ultimo voce in tre dei nove brani in programma. In scaletta troviamo una miscela ben amalgamata di tracce originali e di jazz standard, come il classico Yesterdays e anche Lately di Stevie Wonder per l’occasione proposta con uno scambio di primi piani espressivi tra chitarra e Hammond. Coppola emana costantemente un drumming discreto ma efficace, mentre Ben Paterson si ritaglia nella conclusiva Just Friends un momento di pianoforte e voce capace di mettere l’accento a un lavoro curato nei dettagli estetici, formali e di produzione.

Romane & Daniel John Martin: “Rendez-vous” [Tosky Records, 2019]

Romane (chitarra) e Daniel John Martin (violino) sono affiancati da Julien Carriaux (chitarra) e Michel Rosciglione (contrabbasso) nel loro album “Rendez-vous”, lavoro incentrato sulle classiche sonorità gipsy jazz riferibili alle figure iconiche di Django Reinhardt e Stéphane Grappelli. In programma troviamo dieci brani originali, il rifacimento di Mantinique di Didier Lockwood e quello di Quatuor Nuages, il brano di Django Reinhardt pensato e realizzato con ensemble da camera. Si tratta di un album estremamente curato, sia per gli incastri formali sia per le varie sfaccettature estetiche, dove i protagonisti trovano un equilibrio d’insieme capace di rapire e avvolgere l’ascoltatore.

Franco D’Andrea: “A Light Day” [Parco della Musica Records, 2019]

Nel doppio CD “A Light Day” sono contenute le suite, una mattutina e una pomeridiana, che Franco D’Andrea registra in pianoforte solo presso gli studi dell’Auditorium Parco della Musica di Roma nella giornata del 20 settembre 2018. Come per sua consuetudine, D’Andrea espone un ampio arco espressivo, che prende vita dal dixieland, passa per il minimalismo e per il free, si bagna di blues fino ad arrivare all’avanguardia. Percorsi che il pianista disegna con continue intuizioni, che legano piccole cellule di note con passaggi cantabili, suoni spigolosi con eleganti melodie, pagine astratte con idee dal senso compiuto.

Martux_m: “Apollo 11 Reloaded” [Parco della Musica Records, 2019]

Si rivela come un azzeccato accostamento di elettronica, sonorità dub, dance e atmosfere psichedeliche il nuovo lavoro firmato da Martux_m. Si tratta di una album concettuale che celebra la missione spaziale Apollo 11 che, il 20 luglio del 1969, portò i primi uomini sulla Luna, gli astronauti statunitensi Neil Armstrong e Buzz Aldrin. In programma troviamo otto tracce, tra le quali i rifacimenti di Us And Them (Pink Floyd) e Space Oddity (David Bowie), entrambi impreziositi dal sassofono dell’ospite Francesco Bearzatti. Martux_m si avvale della collaborazione attiva di Giulio Maresca, e di Danilo Rea e Pasquale Catalano nei ruoli di arrangiamento e composizione.

Dock in Absolute: “Unlikely” [CAM Jazz, 2019]

Il trio lussemburghese Dock In Absolute torna a incidere per la CAM Jazz del produttore Ermanno Basso, a due anni di distanza dall’omonimo disco d’esordio. Anche in “Unlikely” il trio fa leva sulla penetrante forza espressiva del pianista Jean-Philippe Koch, il quale disegna linee melodiche cantabili, velatamente malinconiche, chiaroscurali e in alcuni casi confidenziali, come in Ellipse. Non mancano passaggi dal deciso piglio ritmico, nei quali anche il basso elettrico di David Kintziger e la batteria di Michel Mootz trovano motivi di risalto, soprattutto nei brani “angolari”, dove avvengono cambi di direzione formale, come in Night Train To Lipetsk.

Huw Warren Trio: “Everything In Between” [CAM Jazz, 2019]

Huw Warren mescola brani originali e rivisitazioni del grande repertorio di classici brasiliani, come Chorinho Pra Ele di Hermeto Pascoal, nella scaletta del suo “Everything In Between”, l’album che firma in trio con il figlio Zoot alla batteria e Dudley Phillips che si alterna tra contrabbasso e basso elettrico. L’estetica d’insieme – collocabile in area mainstream - rivela temi dalla grande cantabilità melodica, sviluppati attorno alla misura espressiva di Warren, sempre elegante, discreto e mai incline all’eccesso tecnico. Personalità che comunque emerge sia in passaggi in piano solo, come quello contenuto in Choro Bandido, sia attraverso elementi e sfumature che legano forme e derive di un trio capace di rendere atmosfere di pregevole fattura, eleganti e garbate.

Orchestra Nazionale Jazz Giovani Talenti diretta da Paolo Damiani:“Oscene rivolte” [Parco della Musica Records, 2019]

«Cantiamo “osceno” come se volesse dire “fuori scena”, ciò che non può essere rappresentato, fuori dall’accademia e dal già sentito, invisibile in sé». Con queste parole Paolo Damiani introduce il senso musicale contenuto nel doppio CD edito dalla Parco della Musica Records che vede protagonisti gli undici musicisti dell’Orchestra Nazionale Jazz Giovani Talenti. Si tratta di un ensemble dalla grande capacità espressiva, forte di “voci nuove” che si stanno facendo strada nell’ambito del jazz nazionale e internazionale, capace di emanare un’estetica d’insieme evocativa, contemporanea, leggera quanto solida nelle sue convinzioni formali. Damiani dirige con discrezione e realizza un lavoro che ne rispecchia la personalità artistica, elegante e incline alla valorizzazione di ogni singolo elemento creativo. 

Credits: Paolo Damiani: cb; dir; Camilla Battaglia, Costanza Alegiani: voc; Mattia Feliciani, Simone Alessandrini: sax; Giacomo Tantillo, Francesco Fratini: tr; Michele Fortunato: trn; Federico Zaltron: vl; Manuel Magrini: pf; Massimo Imperatore: ch; Enrico Smiderle: batt.

Alessandro Lanzoni: “Unplanned Ways” [CAM Jazz, 2019]

Le strade non pianificate, alle quali fa riferimento il titolo di questo lavoro, Alessandro Lanzoni le percorre con Thomas Morgan al contrabbasso ed Eric McPherson alla batteria. Un trio capace di direzionare la musica con estrema elasticità formale e di “sporcare” l’estetica d’insieme in maniera creativa e funzionale. Quelle riprese presso lo studio The Samurai Hotel Astoria da David Stoller sono tracce che omaggiano alcuni grandi repertori del passato, da Billy Staryhorn a Thelonious Monk, e che mettono in risalto la forza improvvisativa di Lanzoni, pianista sempre pronto a scomodare paragoni di alto rango, ma che nel frattempo sta costruendo una personalità di spessore assoluto, nella quale confluiscono tradizione e contemporaneità espressiva. La foto di copertina è scattata da Justin Bettman.

Jacopo Ferrazza Trio: “Theater” [CAM Jazz, 2019]

Se “Rebirth” [CAM Jazz, 2017] ha rappresentato la metamorfosi artistica e personale di Jacopo Ferrazza, il suo nuovo album per la CAM Jazz “Theater” potrebbe definirsi come un lavoro dalle strutture maggiormente definite, consapevoli e mature. Questo perché la musica che si ascolta nelle otto tracce originali firmate dal contrabbassista, emana una sensazione di maturità raggiunta, in equilibrio tra forme scritte e parti libere, tra linee melodiche cantabili e spazi dal tratto estetico più ruvido. Al suo fianco, essenziali, ma funzionali ai significati dei temi e ai perimetri formali, troviamo di nuovo Valerio Vantaggio alla batteria e Stefano Carbonelli, che alterna chitarra elettrica e classica. 

                                   

Francesco Caligiuri Quintet: “Renaissance” [Dodicilune, 2019]

Dopo il lavoro in solo “Olimpo” del 2017, ispirato alla mitologia greca, il sassofonista cosentino Francesco Caligiuri (baritono, clarinetto basso e flauto) torna a incidere per l’etichetta Dodicilune. In questo nuovo episodio il suo arco espressivo si arricchisce della presenza in line up di Nicola Pisani (soprano), Michel Godard (tuba e serpentone), Luca Garlaschelli (contrabbasso) e Francesco Montebello (batteria). L’assento timbrico così composto, con i fiati a darsi continui spunti contrappuntistici, conferisce alle otto tracce originali di “Renaissance” un’estetica del tutto peculiare, che unisce ambientazioni cameristiche, echi orientali e forme – come Eugenio Colombo sottolinea nella nota interna al CD – che richiamano le architetture del rock progressivo britannico degli anni Settanta. L’artwork di copertina è curato da Julia Sudnik.