Fabrizio Mocata: “Letter From Manhattan” [Alfamusic, 2015]

In “Letter From Manhattan” troviamo George Garzone nelle vesti di musicista ospite del trio capitanato da Fabrizio Mocata, con Ferenc Nemeth alla batteria e Marco Panascia al contrabbasso. In scaletta dieci brani, tutti firmati dal pianista siciliano, dove albergano sonorità hard bop e mainstream, tradotte con profondità espressiva dagli interpreti. Mocata si ritaglia spazi solisti discreti, vedi l’introduzione della conclusiva Conversation, dai quali emerge la sua ispirata vena melodica, principale caratteristica dei temi proposti, che conduce l’ascolto su percorsi lineari, cantabili. La sua scrittura prevede finestre espressive anche per gli altri musicisti, per un insieme compatto e in equilibrio tra passaggi muscolari, dal tratto ritmico marcato, e situazioni vellutate e introspettive.

Paolo Damiani Double Trio: “Seven Sketches In Music” [Parco della Musica Records, 2015]

Paolo Damiani prende spunto creativo da sette opere dell’architetto Renzo Piano per dare forma all’album “Seven Sketches In Music”. Al suo fianco organizza un doppio trio composto da Michele Rabbia alle percussioni ed elettronica, Rosario Giuliani ai sax, Daniele Tittarelli al flauto e soprano, e Marco Bardoscia al contrabbasso. È lo stesso Damiani a descriverci le intenzioni di questo lavoro: «Le architetture prese come oggetto hanno un filo rosso che le accomuna, che è la loro leggerezza. Sono degli spazi molto “trasparenti”, pieni di luce, sono fatti di vetro, di acciaio. Ho voluto pensare a una struttura musicale che in qualche modo riflettesse questi aspetti. Ho cercato di eliminare gli strumenti armonici che tendono ad appesantire le strutture, quindi senza pianoforte e chitarra, strumenti che di solito compaiono nelle mie produzioni». Quello che ne deriva è un album diverso dai lavori che solitamente coinvolgono il violoncellista e compositore. Si tratta di musica che non manca della consueta liricità, ma raggiunta attraverso un attento lavoro sui timbri, sull’essenzialità di certe dinamiche e sull’equilibrio delle parti. Le intelaiature ritmiche sono flessibili, si rendono minime in certi passaggi e dal tratto più marcato in altri. Michele Rabbia si rivela dunque come l’elemento decisivo negli ingranaggi pensati da Damiani, che ne sottolinea le doti: «Non è solo un musicista, ma è un poeta, uno che inventa di continuo. Anche l’uso che fa dell’elettronica, così discreto, calibrato, lavorando per sottrazione, restituisce valore a ogni movimento, che sia un colpo di tamburo o di piatto. Gli basta pochissimo per dare un colore e un timbro a quello che fa».

Nota: le opere che hanno ispirato questo lavoro sono, Theater am Potsdamer Platz Berlino; Prometeo Musical Space Venezia; Auditorium Giovanni Agnelli Torino; Ircam Parigi; Auditorium Paganini Parma; Auditorium Parco della Musica Roma; Centre Culturel Jean Marie Tjibaou Noumea.

William Tatge + Last Call: “Borderlands” [Parco della Musica Records, 2015]

Nasce nel 2007 il progetto Last Call, quando William Tatge, Francesco Ponticelli e Dan Kinzelman registrano un demo con la denominazione di Move. Francesco Ponticelli ci racconta il percorso che ha poi portato il trio, con l’aggiunta del batterista Stefano Tamborrino, a diventare quartetto e alla realizzazione di “Borderlands” per la Parco della Musica Records: «Con William e Dan abbiamo iniziato a suonare lavorando su pezzi originali e sull’improvvisazione radicale. I due campi, lontani, possono avere un filo che li unisce profondamente. Non saprei dire bene cosa sia questa corrispondenza tra scrittura e improvvisazione, ma sicuramente si tratta di un certo modo di vivere la musica. Stefano Tamborrino ha aggiunto spessore al progetto, dal momento che è un grande compositore estemporaneo della batteria. Il cambiamento decisivo è stato che William si è preso la “responsabilità” di questo gruppo, il che è stato fondamentale per arrivare all’uscita del disco che concretizza tutto il lavoro svolto finora». La musica che si ascolta nelle otto tracce proposte rimanda a un’idea di forte coesione tra gli interpreti, i quali seguono le partiture e intraprendono tangenti d’improvvisazione in un flusso espressivo unico, dove si sublimano forme e strutture in divenire. Interplay quasi tangibile, Kinzelman lirico al tenore in diversi passaggi, il basso di Ponticelli sempre corposo, Tamborrino flessibile e discreto, per un insieme che Tatge correda di momenti d’introspezione, essenzialità e avanguardia.

Luca Dell’Anna: “Symbiont” [Auand, 2015]

Completato da Danilo Gallo al contrabbasso e Michele Salgarello alla batteria, il trio del pianista Luca Dell’Anna propone dieci tracce originali, tutte firmate dal leader, che esplorano, stando alla nota di presentazione, «il rapporto tra l’uno e il molteplice, sia nel senso della collettività determinata da un insieme di individui simbiotici, sia celebrando la bellezza della complessità dell’Ego e dell’individuo, formato a sua volta da un numero di strati caotici, ma simbiotici». Tradotta in musica l’intenzione di Dell’Anna si rivela prossima a un continuo rimando di significati e idee melodiche, che sono a volte aspre e nervose, come nell’iniziale Symbiont, su strutture formali flessibili, mai inclini a situazioni di comodo e lontane da parvenze di prevedibilità. Il nucleo espressivo si sposta di continuo, su traiettorie che incrociano situazioni ritmiche incalzanti e coinvolgenti, vedi The Turk, e atmosfere anche cantabili, come accade in Lapse.

Paolo Bacchetta: “Egon’s” [Auand, 2015]

Si compone si soli originali la scaletta di “Egon’s”, l’album che il chitarrista Paolo Bacchetta pubblica su etichetta Auand prendendo spunto creativo dall’opera del pittore Egon Schiele. Al suo fianco troviamo un anello timbrico di sicuro interesse, composto da Piero Bittolo Bon al sax alto e clarinetto, Giacomo Papetti al basso elettrico e Nelide Bandello alla batteria. Musicisti pronti nel percorrere sentieri espressivi mutevoli e improvvisati, che spaziano da situazioni marcate e d’impatto, come quelle di Egon, a momenti di pura introspezione, come quelli che animano Harbour, un brano denso di rimandi d'idee formali e di riflessioni tra i protagonisti.

Domenico Cartago: “Skylark” [Auand, 2015]

Prodotto da Marco Valente per la sua etichetta Auand, “Skylark” è il lavoro che vede Domenico Cartago a capo di un trio completato da Luca Alemanno al contrabbasso e Mimmo Campanile alla batteria. La scaletta propone una sequenza di standard, come Bouncing With Bud e Naima, dove il pianista e compositore si pone spesso nei primi piani espressivi, mostrando un approccio alle strutture dinamico e mai troppo piegato verso le trame originali. Cartago sa essere sia spigoloso e acido in passaggi come nella monkiana Well You Needn’t, sia morbido e introspettivo come in Skylark. L’unica traccia originale è Nina, un brano che vede il pianista impegnato in un solo lirico e dai riflessi elegiaci.

Cettina Donato Trio “Third” [Blue Art, 2015]

Come il titolo lascia intendere “Third” è il terzo lavoro firmato da Cettina Donato, in questa occasione insieme a Vito Di Modugno al basso, Mimmo Campanile alla batteria e Vincenzo Presta al sax, ospite in alcuni brani. La scaletta si compone di soli originali firmati dalla pianista, la quale ci ha detto che: «Nei primi due album avevo inserito degli standard, mentre per questo lavoro ho pensato che era arrivato il momento giusto per dare più spazio alle mie composizioni. Il mio lavoro di arrangiatrice per grandi ensemble mi porta a lavorare su composizioni di altri compositori, quindi ho preferito “rilassarmi” un po’ registrando miei brani con arrangiamenti “ridotti” ai minimi termini». I brani sono frutto delle esperienze di vita fatte da Cettina Donato, o si riferiscono a persone a lei care, come Giò dedicata al fratello minore, ed esprimono i loro significati attraverso temi cantabili, lineari, a volte in contrasto con griglie ritmiche spigolose, in altri casi adagiati su tessiture più morbide. Il tenore di Presta apre vie formali ulteriori, e aggiunge motivi d’interesse a un lavoro che, nel suo insieme, emana positività, anche se non mancano i momenti più introspettivi e malinconici, come in Apulia, una ballad introdotta da un elegante solo di Cettina Donato.

Claudio Filippini Trio: “Squaring The Circle” [CAM Jazz, 2015]

“Squaring The Circle” celebra in decimo anno di attività del trio composto da Claudio Filippini al pianoforte, Luca Bulgarelli al contrabbasso e Marcello Di Leonardo alla batteria. La loro è una realtà rodata, e pronta nell’approcciare i nove standard proposti con piglio singolare. I temi melodici dei brani, tra i quali troviamo classici come A Night In Tunisia e Moon River, sono spesso un pretesto per la personale visione d’arrangiamento del trio, che prevede, oltre ai passaggi improvvisati dei singoli, anche un equilibrato utilizzo di tastiere ed effetti. Armonie riviste con personalità, citazioni in filigrana, improvvisazione e unione d’intenti sono elementi sui quali si fonda questo lavoro, e la sensazione, netta, è quella di trovarci al cospetto di un nuovo inizio, un punto di svolta per il trio, come ci ha confermato Claudio Filippini: «Un paio di anni fa cominciavo a pensare che avessimo esaurito le nostre possibilità espressive, ma per fortuna mi sono dovuto ricredere. C’è sempre più intesa tra di noi e i concerti ne sono una conferma. Il trio si sta evolvendo, e nelle performance recenti diamo molto spazio all’improvvisazione e inseriamo i brani originali “a chiamata”. Inoltre, ci siamo organizzati per realizzare le parti elettroniche dal vivo come su disco, e questo è uno stimolo enorme per tutti e tre».

Rosario Di Rosa Trio: “Pop Corn Reflections” [NAU Records, 2015]

Il pianista Rosario Di Rosa mette a reagire il minimalismo di Steve Reich, il jazz in senso stretto e alcune componenti di musica elettronica per dare corpo al suo “Pop Corn Reflections”, l’album edito da NAU Records realizzato in trio con Paolo Dassi al contrabbasso e Riccardo Tosi alla batteria. Lo stesso Di Rosa, pianista eclettico e pronto al cambio di direzione espressiva, ci ha dichiarato i significati di questo progetto, che per lui rappresenta: «L’inizio di un punto di vista diverso sulla musica, fatto di sintesi e di visione prima che di note e accordi. Il tentativo di incanalare l’improvvisazione del jazz in ambiti inconsueti, distanti da approcci aleatori e molto vicini a logiche compositive proprie della musica di oggi». Quella che si ascolta nei nove brani in programma è un’estetica capace di allontanarsi con disinvoltura dalle consuetudini di genere, seguendo strategie compositive spesso essenziali, che poi convergono in un insieme complesso che prevede serialità, melodie cantabili, momenti d’astrazione, matrici ritmiche flessibili e passaggi dal tratto introverso. L’album mostra diversi spunti d’interesse, e si rivolge a un ascoltatore pronto all’esplorazione di sorprendenti scenari sonori.

David Torn: “Only Sky” [ECM, 2015]

In “Only Sky” il chitarrista David Torn disegna in solitudine uno scenario di matrice ambient, dove la sovrapposizione dei piani sonori, spesso a lenta sedimentazione, forma figure espressive che oscillano tra essenzialità e introspezione. Torn arricchisce l’estetica delle nove tracce in programma, tutte autografe, attraverso l’utilizzo dell’oud elettrico, e dirige la propria ricerca sonora partendo da piccole cellule di poche note fino a situazioni cortocircuitali. Melodie levigate e spigolose distorsioni si danno una certa alternanza, in un continuo disorientamento di umori e significati.

Mattia Cigalini: “Astrea” [CAM Jazz, 2015]

“Astrea” contiene sette nuovi brani di Mattia Cigalini, in questo episodio coinvolto in un trio completato da Gianluca Di Ienno al pianoforte e Nicola Angelucci alla batteria, con l’aggiunta di White Christmas di Irving Berlin. La scrittura del sassofonista piacentino è la somma di molte influenze, dalla musica contemporanea alla classica, dagli echi balcanici al jazz tradizionale. L’album si distingue per la leggibilità delle melodie, sempre cantabili, che oscillano da momenti essenziali, quasi trasparenti, a situazioni più marcate e colme di note. Cigalini è spesso in primo piano e indaga nuovi sentieri espressivi mostrandosi da diversi punti di vista, da quello intimo di un brano come New Eyes Are Opening, dedicato alla figlia Satie, alla spiritualità di Solstice, ai tratti muscolari di Horus. I microfoni di Stefano Amerio catturano un suono di sassofono diverso dal passato, con maggiore definizione e profondità, come Cigalini stesso ci ha confermato: «Sono da sempre alla ricerca dell’assetto perfetto, ovvero di quella combinazione legata all’imboccatura dello strumento che potesse mettermi totalmente a mio agio. Mi sono adattato a ciò che offriva mercato, ma dopo circa un anno di tempo speso con passione e determinazione ho realizzato l’idea di costruirne un modello su misura per le mie esigenze. Avendo riscosso notevole un interesse tra i colleghi, è nato un marchio di imboccature “Cigalini” che sarà presto disponibile al pubblico, e “Astrea” ne ha tenuto battesimo».

Erroll Garner: “Concert By the Sea” Box Set

Uscirà il prossimo 18 settembre, tramite Sony Legacy, il cofanetto celebrativo di 3CD “Concert By the Sea” a sessant'anni di distanza dal concerto che Errol Garner tenne a Carmel, California, con Eddie Calhoun al contrabbasso e Denzil Best alla batteria.

Si tratta della registrazione completa del live, rimasterizzata in digitale, con l'aggiunta di tracce inedite e un'intervista al trio realizzata dopo il concerto.

Bill Evans: “Complete Fantasy Recordings”

Uscirà il prossimo 17 luglio, tramite Concord Music Group, la ristampa del cofanetto di nove CD dedicato a Bill Evans dal titolo "The Complete Fantasy Recordings Of Bill Evans".

Si tratta di una nuova confezione che comprende il lavoro completo svolto da Evans per l'etichetta Fantasy durante il periodo 1973-1980. L'edizione comprende anche un'intervista inedita del 1978, un libretto illustrato di sessantadue pagine contenente un saggio del critico musicale e biografo Gene Lees.

Fulvio Sigurtà: “The Oldest Living Thing” [CAM Jazz, 2015]

C’è la spinta ritmica, discreta e costante, del basso elettrico di Steve Swallow alla base del trio che il trombettista Fulvio Sigurtà completa con Francesco Casagrande alle chitarra acustica. Fatta eccezione per Nuovo Cinema Paradiso di Ennio Morricone, il programma presenta solo brani originali, firmati da Sigurtà e Casagrande, che hanno un colore timbrico definito nelle dinamiche, colmo di valore espressivo e formalmente organizzato in modo da esaltare le qualità liriche dei singoli. Le melodie risultano cantabili e le atmosfere sono misurate, a volte malinconiche, e per certi tratti poetiche ed evocative. Il trio riserva grande importanza al concetto di spazio, non sovrapponendo i suoni in una musica che respira e si espande con estrema eleganza.

Keith Jarrett: “Creation” [ECM, 2015]

Tokyo, Toronto, Parigi e Roma. Dai concerti in piano solo del 2014 tenuti in queste quattro città, Keith Jarrett ha scelto il repertorio del suo nuovo capitolo discografico per ECM. “Creation” contiene nove brani improvvisati, legati da un’ideale filo melodico, spesso misurato, malinconico, pieno di note e pause calibrate. Jarrett si esprime attraverso la cantabilità dei temi, risolti in pieno relax e senza mai andare incontro a eccessi di stile e tecnica, centrando così una semplicità espressiva elegiaca. Nell’insieme il lavoro riflette significati profondi, tradotti da un modo di approcciare, e creare, la materia sonora carico di spontaneità, e con la consapevolezza di camminare sempre in equilibrio sul bordo di un, eventuale, capolavoro.

Andy Sheppard Quartet: “Surrounded By Sea” [ECM, 2015]

Nell’agosto 2014, all’Auditorium Stelio Molo RSI di Lugano, Andy Sheppard è affiancato da Eivind Aarset alla chitarra, Michel Benita al contrabbasso e dal batterista Sebastian Rochford. Ne scaturisce una scaletta di dodici brani che include alcuni nuovi originali, la rivisitazione di I Want To Vanish di Elvis Costello e tre variazioni del tradizionale gaelico Aoidh, Na Dean Cadal Idir. Il tratto espressivo dell’intero lavoro passa spesso attraverso il soffio di Sheppard, impegnato sia al tenore sia al soprano, il quale è sostenuto da una tessitura ritmica che vede in Aarset, e il suo relativo apporto di effetti e brevi loop, l’elemento di maggior rilievo. I movimenti del quartetto evidenziano dinamiche ben definite e liberano melodie che trovano sia passaggi di cantabilità sia momenti di contrazione, per un’equilibrata alternanza di umori.

Francesco Cusa & The Assassins: “Love” [Improvvisatore Involontario, 2015]

È lo stesso Francesco Cusa a descrivere sul sito di Improvvisatore Involontario le intenzioni di questo suo progetto artistico: «The Assassins è una nuova formula di quartetto, un progetto che eredita l’approccio compositivo del mio precedente gruppo Skrunch. The Assassins, grazie alle specifiche caratteriste dell’Hammond (suonato da Giulio Stermieri, NdR), si apre a certe influenze e sonorità più vicine al funk e al jazz». Per quanto riguarda il valore espressivo di “Love” risulta decisiva la presenza di Flavio Zanuttini alla tromba e di Cristiano Arcelli all’alto, dal momento che i due instaurano spesso dialoghi o prendono tangenti soliste che trascinano il sound del gruppo verso territori lontani da consuetudini e cliché. Le forme sono spesso in divenire, e nelle sette tracce in programma si attraversano stanze timbriche sfaccettate, che godono anche di una componente elettronica che ne amplia l’apertura di compasso. Dall’insieme emerge un retrogusto vagamente zappiano, inteso come capacità di plasmare la materia sonora con intraprendenza e intelligente ironia.

Costanza Alegiani: “Fair Is Foul And Foul Is Fair” [Improvvisatore Involontario, 2014]

Idealmente ispirato al “Macbeth” di Shakespeare e all’ “Otello” di Verdi, e nello specifico ad alcuni personaggi delle due opere, questo lavoro vede impegnata Costanza Alegiani, voce e conduction, tra brani da lei composti e improvvisazioni di gruppo, dove danno una libera visione espressiva i musicisti coinvolti, tra i quali segnaliamo Thijs Troch al pianoforte e Ben De Greef al sax alto. L’album propone passaggi free, recitazione teatrale, visioni poetiche, angoli ballad misurati e timbricamente equilibrati, per una miscela di stile e di forme molto originale, capace di trovare la coniugazione del proprio verbo attraverso l’ascolto d’insieme.

BNY Mellon Jazz 2015 Living Legacy Award a Gary Bartz

Il sassofonista Gary Bartz riceverà il "BNY Mellon Jazz 2015 Living Legacy Award", in una cerimonia presso il John F. Kennedy Center for Performing Arts di Washington, il prossimo 16 ottobre. Il premio, sponsorizzato dalla compagnia BNY Mellon, viene assegnato ai musicisti che si sono distinti in termini di prestazioni artistiche e di insegnamento.

Nell'albo d'oro del premio troviamo i nomi di, tra gli altri: Muhal Richard Abrams, Phil Woods, Roy Haynes, Barry Harris, Jimmy Heath, Kenny Barron, Benny Golson e altri ancora.

Sertango: “El Barrio” [Map Classics, 2015]

Il quartetto Sertango presenta un disco d’esordio di otto brani, tra originali e rivisitazioni, che esplorano il territorio di confine tra jazz e tango. Il progetto prende spunto dalla figura di Astor Piazzolla, del quale sono rilette tre celebri pagine, come Libertango, e piega le forme espressive verso una propria originalità in particolar modo grazie all’utilizzo dell’organo Hammond, suonato da Virginio Aiello. I primi piani sono spesso a favore del bandoneon di Ivano Biscardi, il quale trova un punto di dialogo con il chitarrista Bruno Aloise, mentre sullo sfondo ritmico è la batteria di Corrado Aloise a emergere soprattutto nei brani dal carattere più movimentato. Gli originali si amalgamano con le riletture, per un insieme che si lascia ampiamente apprezzare, per discrezione, misura e amore verso il repertorio proposto.

Enrico Bracco: “Quiet Man” [Auand, 2015]

Dieci composizioni di Enrico Bracco formano la scaletta del suo “Quiet Man”, un album di settanta minuti edito da Auand dove il chitarrista mette in mostra una scrittura densa e attenta agli accostamenti timbrici. Al suo fianco troviamo Daniele Tittarelli all’alto e al flauto, spesso chiamato in causa come principale voce espressiva, Pietro Lussu al pianoforte, Luca Fattorini al contrabbasso ed Enrico Morello alla batteria. La musica che si ascolta propone atmosfere melanconiche, passaggi melodici misurati e temi cantabili, in linea con i propositi del titolo dell’album e con il lato caratteriale del leader al quale, probabilmente, fa riferimento. Il lavoro vive anche di momenti dal piglio ritmico ed espressivo più accentuato, come in The Bad Guys Band dove assistiamo a una prova di interplay e affiatamento tra i protagonisti di valore assoluto.

Orlando Andreucci: La vita la morte l’amore la sorte [Autoproduzione, 2015]

Anche in questo nuovo lavoro discografico Orlando Andreucci non tradisce la sua pregevole tessitura cantautorale, in undici brani che, come introdotto dal titolo, ci offrono uno spaccato sui sentimenti, gli umori e gli accadimenti di vita quotidiana. Temi nei quali ci si può ritrovare e che invitano a riflettere attraverso i toni misurati ed eleganti di Andreucci, il quale trova la propria identità espressiva attraverso il timbro vocale basso, confidenziale e vissuto. Al suo fianco disegnano gli scenari stilistici Simone Talone alla batteria e Primiano Di Biase, il quale alterna fisarmonica, chitarra, basso, organo Hammond e pianoforte, anche elettrico, riuscendo così a spostare le atmosfere dalle movenze latin alla canzone d’autore, dal piano trio di deriva jazzistica a momenti di ricercata intimità.

Giovanni Francesca: “Rame” [Auand, 2015]

Il chitarrista Giovanni Francesca presenta in “Rame” un programma di soli brani autografi, nei quali mostra un’intensa qualità di scrittura e arrangiamento, oltre a un modo flessibile di operare sulle strutture e interessanti scelte timbriche che prevedono anche alcuni inserti elettronici. La presenza in line up del violinista Raffaele Tiseo permette a Francesca di disegnare scenari dove le melodie sono a volte lineari e delicate, mentre in altri passaggi risultano più grintose e introspettive. Il leader sa muoversi nei primi piani senza mai invadere troppo gli spazi di manovra degli altri musicisti, tra i quali troviamo Fabrizio Bosso, in qualità di ospite in quattro brani dove restituisce una buona dose di diversificazione espressiva, e Rita Marcotulli, essenziale e misurata nella traccia Greta.

Kyle Eastwood: “Timepieces” [Jazz Village, 2015]

Nel nuovo lavoro in studio “Timepieces” il bassista e compositore Kyle Eastwood, insieme al suo quintetto, propone diversi brani originali e rilegge pagine di alcuni tra i suoi musicisti preferiti, come Herbie Hancock e Horace Silver. Le ambientazioni sono mainstream, con slanci solisti riferibili al post bop, dove si incontrano momenti intimi e dall’andatura misurata, vedi Dolphin Dance, e situazioni dal carattere ritmico più deciso e coinvolgente, come quelle descritte in Prosecco Smile. Il leader alterna contrabbasso e basso elettrico, mentre i primi piani espressivi vedono spesso protagonisti il sassofonista Brandon Allen, al tenore e soprano, e il trombettista Quentin Collins, in alcuni passaggi al flicorno. L’insieme si rivela finemente cesellato, con una grande attenzione per i particolori, sia melodici, sia di arrangiamento.

João Lencastre’s Communion: “What Is This All About?” [Auand, 2015]

Si compone di nove brani il nuovo lavoro del batterista João Lencastre, nuovamente insieme ai suoi Communion, band nella quale figurano musicisti dal valore assoluto, come Phil Granadier, David Binney e Thomas Morgan. In programma troviamo una musica composita, dove intervengono molti elementi timbrici che convergono e prendono forma in ambientazioni espressive sempre diverse. Si passa dai movimenti corali e coinvolgenti, come quelli che caratterizzano l’iniziale View Over The Palace, alle situazioni più introspettive e calibrate, vedi la successiva The House Of Fun. Il lavoro trova il suo significato nell’ascolto d’insieme, nel quale ci si imbatte anche nell’arrangiamento che Lencastre opera su Opus 39, N. 9 di Johannes Brahms, dove emerge il pianismo sensibile di Jacob Sacks. Lontano da immediati incasellamenti di stile, “What Is This All About?” si pone come un album capace di spiazzare e sorprendere, anche grazie alla presenza di musicisti ospiti che ne ampiano ulteriormente il raggio d’azione, come Sara Serpa e Tiago Bettencourt.